FUNDACIÓN ENRIQUE ARNAL

EN LOS OJOS DE ENRIQUE ARNAL | IN THE EYES OF ENRIQUE ARNAL

7/3/2023

Por Alba Balderrama. Coordinadora Cultural del Centro Pedagógico y Cultural Simón I. Patiño. Cochabamba, Bolivia.
(Texto original)

By Alba Balderrama. Cultural Coordinator of the Simón I. Patiño Pedagogical and Cultural Center. Cochabamba, Bolivia.
(Translated text)

Algunas aclaraciones referidas a las exposiciones de arte que parecen obvias pero que no lo son: uno, no todos hemos ido a una galería de arte. Dos, las salas donde están colgadas las obras son silenciosas. Tres, el recorrido por la galería responde a un orden. Cuatro, no todos sabemos qué es un artista o un pintor.

Estamos en el Centro de Exposiciones del Palacio Portales en Cochabamba, donde se expone una selección de los cuadros que pintó el artista boliviano Enrique Arnal nacido en un centro minero de Catavi en 1932 y fallecido en Estados Unidos el 2016.

Los que estamos somos: dos jóvenes turistas, un numeroso grupo de niños de una escuelita de provincia cuadernos y lápiz en mano, sus dos profesoras (un número desproporcionado para el manejo del grupo), yo y mi libreta. La sala es blanca, pulcra, lisa como un papel nuevo para pintar.

En mi libreta anoto impresiones sesudas para, luego, ignorarlas en este texto. Hay mucho ruido y rumores. Esta tarde no habrá un recorrido silencioso y ensimismado. Puedo abstraerme de la distracción, me digo, pero me digo mentiras. Las risitas de los niños, sus abruptas preguntas, sus exclamaciones de sorpresa mirando la sala, las luces, el techo, los cuadros, los textos, la cerámica fría del piso como si todo eso tuviera la misma categoría de arte y la cercanía peligrosa de sus pequeños dedos; tentáculos queriendo tocar los óleos para pasar a una dimensión desconocida me desestabilizan, pero no peleo. Renuncio al orden y al silencio supuesto de la galería y me uno a ellos.

Dónde ellos veían un cuete volando a la luna o un ave, yo veía pintado un majestuoso nevado blanco y morado. La tierra de la montaña tenía la forma de dos alas extendidas como un cóndor; violentas, aéreas, inalcanzables. Un cóndor-nevado, he anotado en mi libreta. Lo telúrico del paisaje andino, he comentado en vano.

Ellos veían algo volando, yo algo fijo. Dos extremidades animales extendidas antes de cerrarse en un abrazo que nunca será. El artista ha titulado este óleo sobre lienzo como “Alegoría de una crucifixión” (2010).

Esta ave, montaña morada, abrazo, cruz, cuete a la luna, está colgada en una salita que da a otras tres salas. Es una encrucijada contigua a la sala circular de la galería.

En la sala circular hay 6 cuadros abstractos pintados entre los años 1971 y el 2008 por el artista Arnal. “¿Qué es un artista?”, grita un niño vivaz desde atrás del grupo. La profesora mayor responde: “es alguien que pinta”. La traviesa del curso, entre dientes, les susurra a sus compañeros más cercanos: “mi papá también pinta, pero pinta casas”. Hay carcajadas, la profesora finge no haberla escuchado y aclara: “los pintores son artistas que exponen sus cuadros para que otros los miren”.

Mirar: dirigir la vista hacia algo y fijar la atención en ello, dice el diccionario. Mirar supone un par de ojos. Un punto de vista. Permanecer frente al cuadro y explorarlo con la mirada.

El grupo de niños no permanece quieto, son la primera fila de una furiosa manifestación, lanzan preguntas a la profesora sin parar. Piedras que ella ataja como puede. Tampoco a estado en muchas exposiciones. La otra profesora toma la posta y grita: “¡atiendan chicos, estamos en una galería de exposiciones ¿Acaso nunca han ido a una?”. “¡No!”, exclaman todos. “¡Compórtense!”

La profesora ha ido a enseñar: “A ver, ¿qué ven en estos cuadros?”. “Toros”, “un señor”, “un cóndor”, “un cuervo”, “unos cuernos blancos”, “unos hombres en la calle”. Las respuestas apuntan a todas partes como en un puesto de tiro al blanco de una feria popular. A ver si el azar los premia con un peluche o un trompo de madera.

La profesora encuentra algo curioso, ha mirado bien. Quiere que ellos usen sus ojos, practiquen la mirada y que atiendan, sobre todo eso, que atiendan. “Fíjense bien”, les dice, “en estos seis cuadros hay algo que se repite. ¿Qué creen que es?” Mientras saltan y levantan la mano y hablan a la vez, dicen: “los cuernos”, “el rojo”, “son cuadrados”, “son ciegos”, dice uno temeroso a la vez que se hace el silencio, él se oculta avergonzado detrás de las trenzas de una de su compañera. Se da cuenta de que ha dicho algo importante o serio, pero no sabe qué. La profesora es ahora un pescador lanzando la línea de su caña de pescar. “Exacto, casi” dice triunfante y pregunta: “¿pero por qué dices que son ciegos?” Se abre un silencio un poco largo, un poco raro, casi incómodo, el tipo de silencio que indica que algo en esa treintena de cabezas se mueve como un cardumen de peces. Nadie dice nada. La profesora los mira con su caña de pescar. “No tienen ojos”, interrumpe alguien con mi voz. Todos me miran, los chicos, la profesora suplente, las turistas que pasan caminando por atrás, el toro del cuadro rojo detrás de mí que se llama “Cabeza de toro” (2008), el guardia de la galería dos salas más allá. La profesora me mira y dice “muy bien” como suavizando el primer día de una alumna nueva y extraña en la clase.

En todos los cuadros: “Cabeza de toro”, “Aparapita”, “Cóndor”, “Toros” y “Cóndor”, los animales y personajes aparecen sin rostro, sin ojos, sin boca. Omitidos o velados con capas de pintura. Preside la sala una réplica pequeña del mural de 1989 que da el título a la exposición, “El mundo de mi Memoria”, en ese cuadro hay un gran espacio blanco, vacíos, una persona parada sin rostro y sin detalle parece caminar hacia el fondo, hay una pared o una puerta del sol roja, un zapallo amarillo partido sobre una silla y un perro deambulando, también, sin rostro. Todo parece una puesta en escena de sus temas recurrentes, la naturaleza que muta y se extingue, la puna, las montañas, los animales que allí viven, el espacio abierto y vacío del altiplano, la memoria como algo borroso, como algo que crece y existe en el pasado.

El pasado no se mira con los ojos. No se necesitan ojos para mirar el pasado. El mundo andino como algo totalmente imborrable. Arnal parece estar ahí en esos espacios, en esos cuerpos robustos, estoicos de los animales y hombres.

Dónde ellos, mis nuevos compañeros de curso, veían que no faltaba nada en la pintura de un cóndor, en la cara de un aparapita, debajo de los cuernos de los toros o en el cuadro de la memoria yo veía ausencias. Y me acordé de lo que dijo ese poeta provenzal Guillaume d’ Aquitaine, que María Negroni cita en su discurso inaugural en el Festival FILBA: “Haré un verso de absolutamente nada”. Eso hace el arte de Arnal, aspirar a pintar lo innombrable, la nada, los vacíos, lo que ignoramos, lo que no está.

Los chicos ahora tienen más preguntas, ven más cosas en los cuadros, buscan esa ausencia, o ese “algo más” que nos sugiere la obra de arte. La cosa muda. Saltan de una sala a otra, de un cuadro a otro.

Casi al finalizar nuestro recorrido, metida en una especie de hendidura o nicho que forma la pared, está, sola como en un sagrario, la pintura de una cabeza negra, en tonos morados, azules, rojos y blancos. Yo me quedo sobrecogida por la energía y el carácter de la pintura, por la belleza de ese “Retrato de Franz Tamayo” (1975), el hombre que reflexionó sobre el papel de la educación en el destino del país. Este cuadro, “tiene un ojo, el otro no se nota, pero está” según comentan, ya más en confianza, los alumnos. Donde ellos ven la cara de un hombre con un ojo sí y el otro borroso yo veo, en imágenes, en trazos, brochadas y formas las dos caras del libro Creación de la pedagogía nacional (1910) que Tamayo escribió y en cuya “Advertencia” dice: “Este, lector, es un doble libro. Libro de batalla y libro de reflexión, no sé en qué medida esta doble intención dejará de dañar la obra.”

Un ojo sí y un ojo no, un ojo que mira la educación y el otro que mira el paisaje, la montaña, la tierra y las ideas que salen de la fuerza indígena de sus habitantes. Unos ojos que mira la educación como batalla, reforma de la educación y conquista a través del pensamiento. Parada frente a él imagino que los ojos del cuadro, del hombre que buscaba un “espíritu nacional” para educar a niños, jóvenes, hombres y mujeres de Bolivia, nos observan desde el pasado.

Pienso en las dos profesoras que se despiden cariñosamente al salir de la galería con las chicas y chicos corriendo en tropel. Pienso en la educación, en mis nuevos compañeros de aula, en el color, en lo lindo que sería que las aulas fueran galerías. Tan monumental como el proyecto de Tamayo, o el de las profesoras que ya se pierden en el umbral del Centro de Exposiciones, es la energía y el carácter de la obra que Arnal nos dejó.

Cierro mi libreta, pero antes anoto: se tendría que poder pintar con óleos y brochas en una de estas paredes.

Some clarifications regarding art exhibitions that seem obvious but are not: one, not all of us have been to an art gallery. Two, the rooms where the works are hung are silent. Three, the tour of the gallery responds to an order. Four, not all of us know what an artist or a painter is.

We are at the Palacio Portales Exhibition Center in Cochabamba, where a selection of paintings painted by the Bolivian artist Enrique Arnal, born in a mining center in Catavi in 1932 and who died in the United States in 2016, is on display.

Those of us who are here are: two young tourists, a large group of children from a small provincial school with notebooks and pencils in hand, their two teachers (a disproportionate number for managing the group), me and my notebook. The room is white, neat, smooth as new painting paper.

In my notebook I write down brainy impressions to later ignore them in this text. There is a lot of noise and rumors. This afternoon there will be no silent and self-absorbed tour. I can abstract myself from the distraction, I tell myself, but I tell myself lies. The children's giggles, their abrupt questions, their exclamations of surprise looking at the room, the lights, the ceiling, the paintings, the texts, the cold ceramics on the floor as if all of this had the same category of art and the dangerous proximity of her little fingers; tentacles wanting to touch the oil paintings to pass into an unknown dimension destabilize me, but I don't fight. I renounce the supposed order and silence of the gallery and join them.

Where they saw a rocket flying to the moon or a bird, I saw painted a majestic white and purple snowfall. The mountain land was in the shape of two wings spread out like a condor; violent, aerial, unattainable. A snow-covered condor, I have noted in my notebook. The telluric of the Andean landscape, I have commented in vain.

They saw something flying, I saw something fixed. Two animal limbs extended before closing in an embrace that will never be. The artist has titled this oil on canvas as "Allegory of a crucifixion" (2010).

This bird, purple mountain, hug, cross, rock to the moon, is hung in a small room that leads to three other rooms. It is a crossroads next to the circular room of the gallery.

In the circular room there are 6 abstract paintings painted between 1971 and 2008 by the artist Arnal. “What is an artist?” a lively boy shouts from behind the group. The older teacher replies: “he is someone who paints”. The naughty classmate, between her teeth, whispers to her closest classmates: "My dad paints too, but he paints houses." There is laughter, the teacher pretends not to have heard her and clarifies: "painters are artists who exhibit their paintings for others to look at."

Look: direct your eyes towards something and pay attention to it, says the dictionary. Looking supposes a pair of eyes. A point of view. Stay in front of the painting and explore it with your eyes.

The group of children does not stay still, they are the first row of a furious demonstration, they throw questions at the teacher without stopping. Stones that she catches as she can. He hasn't been to many shows either. The other teacher takes the baton and yells: "Listen guys, we're in an exhibition gallery. Have you never been to one?" "No!" they all exclaim. "Behave yourself!"

The teacher has gone to teach: "Let's see, what do you see in these pictures?" “Bulls”, “a man”, “a condor”, “a crow”, “some white horns”, “some men in the street”. The answers point to everywhere like a target shooting stand at a popular fair. Let's see if chance rewards them with a stuffed animal or a wooden top.

The teacher finds something curious, she has looked carefully. She wants them to use their eyes, to practice their gaze and to pay attention, above all, to pay attention. “Look closely”, she tells them, “in these six paintings there is something that is repeated. What do you think it is? While they jump and raise their hands and speak at the same time, they say: "the horns", "the red one", "they are square", "they are blind", says one fearful while there is silence, he hides ashamed behind the braids of one of his partner. He realizes that he has said something important or serious, but he doesn't know what. The teacher is now a fisherman casting the line from her fishing rod. "Exactly, almost" she says triumphantly and asks: "but why do you say they are blind?" A rather long silence opens, a little strange, almost uncomfortable, the kind of silence that indicates that something in those thirty heads is moving like a school of fish. Nobody says anything. The teacher looks at them with her fishing rod. "They don't have eyes," someone interrupts with my voice. They all look at me, the boys, the substitute teacher, the tourists walking past behind me, the bull in the red square behind me called “Cabeza de toro” (2008), the gallery guard two rooms away. The teacher looks at me and says “very good” as if softening the first day of a strange new student in the class.

In all the paintings: “Cabeza de toro”, “Aparapita”, “Cóndor”, “Toros” and “Cóndor”, the animals and characters appear without a face, without eyes, without a mouth. Omitted or veiled with layers of paint. The room is presided over by a small replica of the 1989 mural that gives the title to the exhibition, "The world of my memory", in this painting there is a large white space, empty, a person standing without a face and without detail seems to walk towards the bottom , there is a wall or a door of the red sun, a split yellow pumpkin on a chair and a dog wandering, also, without a face. Everything seems like a staging of his recurring themes, nature that mutates and becomes extinct, the puna, the mountains, the animals that live there, the open and empty space of the altiplano, memory as something blurred, as something that grows and exists in the past.

The past is not seen with the eyes. Eyes are not needed to look into the past. The Andean world as something totally indelible. Arnal seems to be there in those spaces, in those robust, stoic bodies of animals and men.

Where they, my new classmates, saw that nothing was missing in the painting of a condor, in the face of an aparapita, under the horns of the bulls or in the painting of memory, I saw absences. And I remembered what that Provençal poet Guillaume d'Aquitaine said, which Maria Negroni quoted in her inaugural speech at the FILBA Festival: “I will make a verse out of absolutely nothing”. That is what Arnal's art does, aspiring to paint the unnamable, the nothing, the voids, what we ignore, what is not there.

The boys now have more questions, they see more things in the paintings, they look for that absence, or that "something else" that the work of art suggests to us. The mute thing They jump from one room to another, from one painting to another.

Almost at the end of our tour, tucked into a kind of crack or niche that forms the wall, there is, alone as in a tabernacle, the painting of a black head, in purple, blue, red and white tones. I am overwhelmed by the energy and character of the painting, by the beauty of that "Portrait of Franz Tamayo" (1975), the man who reflected on the role of education in the destiny of the country. This painting, "has one eye, the other is not noticeable, but it is there" as the students comment, now more confident. Where they see the face of a man with one eye yes and the other blurred I see, in images, in lines, brush strokes and shapes the two faces of the book Creation of National Pedagogy (1910) that Tamayo wrote and in whose "Warning" says: “This, reader, is a double book. A book of battle and a book of reflection, I don't know to what extent this double intention will stop damaging the work.”

One eye yes and one eye no, one eye that looks at education and the other that looks at the landscape, the mountains, the land and the ideas that come from the indigenous strength of its inhabitants. Eyes that look at education as a battle, educational reform and conquest through thought. Standing in front of him, I imagine that the eyes of the painting, of the man who was looking for a "national spirit" to educate children, youth, men and women in Bolivia, are watching us from the past.

I think of the two teachers who say goodbye affectionately as they leave the gallery with the girls and boys running in droves. I think about education, about my new classmates, about the color, about how nice it would be if the classrooms were galleries. As monumental as Tamayo's project, or that of the teachers who are already lost on the threshold of the Exhibition Center, is the energy and character of the work that Arnal left us.

I close my notebook, but before I write down: you should be able to paint with oil paints and brushes on one of these walls.

Arnal: un manifiesto de amor a la pintura | ARNAL: A MANIFESTO OF LOVE FOR PAINTING

6/5/2023

Por Diego Andres Loayza. Artista boliviano y critico del arte y cine.
(Texto original)

By Diego Andrés Loayza. Bolivian artist and critic of art and cinema.
(Translated text)

La contemplación de la obra de Enrique Arnal implica un adentramiento en algo más hondo que la bella ilustración de un contenido manifiesto (sea figura o paisaje, orgánico o mineral) así como, por otro lado, jamás permite caer en una sensualidad ornamental sin ancla en la condición, trágica, de la experiencia humana.

El recorrido por las diversas fases de su pintura permite al espíritu sobrevolar las grandes vetas de la vanguardia pictórica del siglo XX sin que por ello se pierda el sello, la marca profunda, la poesía, por qué no decirlo, de un demiurgo superlativo en las artes visuales bolivianas. Es virtud de grandes artistas entablar diálogos con otros creadores, contemporáneos y del pasado, sin perder la identidad, la pesquisa personal, un impulso casi indecible, que lleva a plasmar colores en una superficie para revelar-se a sí mismo como se revela un mundo. Es así como, al recorrer la exposición, se avizora una verdadera ágora pictórica donde cada lienzo dialoga con uno o más pintores del orbe y, en especial, con los heraldos de la vanguardia que sucedió vertiginosamente al impresionismo a finales del siglo XIX. Picasso, Bacon, Ernst, Soutine, Rousseau, Guayasamín, Orozco, Alandia Pantoja, Lara en materia figurativa, así como la abstracción de Rothko, Kline, De Kooning, M. E. Ballivián o el mismo Basquiat se encuentran en esta gran asamblea de colores y formas, pigmentos y texturas sin ceder jamás a esa idea apolítica, desterritorializada, de un arte (aparentemente) universal carente de raíces. Porque si de algo no carecen estas telas monumentales es de eso mismo: raíces. Y, esto, tanto a nivel simbólico como literal: se trata del empleo de dispositivos visuales de anclaje para la mirada, que queda absorbida fatalmente.

La firma de Arnal es un manifiesto de amor a la pintura, a la «cosa pictórica», a aquello que se hace visible en un lienzo para dejar de ser solo materia, para devenir en soporte emocional de una visión, fugaz y anonadante para el ojo que osa detenerse ante su profundidad.

El gesto decidido, salvaje de la pincelada conlleva una musicalidad capaz de tocar las notas más sutiles, las vibraciones más diáfanas en el corazón de quien se para frente a estos cuadros que proyectan una especie rara de apoteosis minimalista, pétrea, de una abismal serenidad.

La exposición que viene de atestiguar La Paz como lo harán Cochabamba (desde este jueves 6 de octubre) y Santa Cruz pone en manifiesto la importancia de Arnal como maestro de la plástica vanguardista en Bolivia y América Latina. Los años que el pintor dedicó a su arte son años de un frenesí incomparable tanto en materia política y social como en cuanto a la pesquisa pictórica y al rol del arte en general. Toda esta inquietud de la época (la segunda mitad del siglo XX y los inicios del XXI) está plasmada en estas variadas composiciones. Foro donde conversan tantas figuras clave del arte moderno, la muestra contiene, por eso mismo, una indudable impronta pedagógica para aquel que se aventura al mundo de la pintura o de la historia de la misma. De Catavi al mundo, es sobrecogedora la fuerza que irradian estas imágenes altamente sintéticas, estas pinceladas potentes, decididas, estas figuras ensimismadas. Todo es digno de celebrar: lo humano y lo animal, lo nacional y lo universal, lo telúrico y lo etéreo, todo bajo el imperio de una mirada y unos pinceles entregados, de alma, vida y corazón, a ese misterio imperecedero de la forma y el color. Gracias Arnal, gracias al Centro Simón I. Patiño y a la curaduría de esta exposición por traer ante nuestros ojos todas esas telas de incalculable valor e insoslayable belleza.

The contemplation of the work of Enrique Arnal implies a delving into something deeper than the beautiful illustration of a manifest content (be it figure or landscape, organic or mineral) as well as, on the other hand, never allows one to fall into an ornamental sensuality without anchor in the tragic condition of the human experience.

The journey through the various phases of his painting allows the spirit to fly over the great veins of the pictorial avant-garde of the 20th century without losing the seal, the deep mark, the poetry, why not say it, of a superlative demiurge in the Bolivian visual arts. It is the virtue of great artists to engage in dialogue with other creators, contemporary and from the past, without losing identity, personal research, an almost unspeakable impulse that leads to capturing colors on a surface to reveal oneself as one reveals a world. . This is how, when going through the exhibition, a true pictorial agora is envisioned where each canvas dialogues with one or more painters of the world and, especially, with the heralds of the avant-garde that vertiginously succeeded impressionism at the end of the 19th century. Picasso, Bacon, Ernst, Soutine, Rousseau, Guayasamín, Orozco, Alandia Pantoja, Lara in figurative matters, as well as the abstraction of Rothko, Kline, De Kooning, M. E. Ballivián or Basquiat himself are found in this great assembly of colors and shapes , pigments and textures without ever giving in to that apolitical, deterritorialized idea of an (apparently) universal art devoid of roots. Because if these monumental canvases do not lack something, it is that: roots. And, this, both on a symbolic and literal level: it is about the use of visual anchoring devices for the gaze, which remains fatally absorbed.

Arnal's signature is a manifesto of love for painting, for the "pictorial thing", for what becomes visible on a canvas to stop being just matter, to become the emotional support of a fleeting and overwhelming vision for the viewer. eye that dares to stop before its depth.

The determined, wild gesture of the brushstroke carries a musicality capable of playing the most subtle notes, the most diaphanous vibrations in the heart of those who stand in front of these paintings that project a rare kind of minimalist, stony apotheosis, of an abysmal serenity.

The exhibition that comes from witnessing La Paz as will Cochabamba (from this Thursday, October 6) and Santa Cruz highlights the importance of Arnal as a master of avant-garde plastic art in Bolivia and Latin America. The years that the painter dedicated to his art are years of incomparable frenzy both in political and social matters as well as in pictorial research and the role of art in general. All this restlessness of the time (the second half of the 20th century and the beginning of the 21st) is reflected in these varied compositions. A forum where so many key figures of modern art converse, the exhibition contains, for this very reason, an unquestionable educational imprint for those who venture into the world of painting or its history. From Catavi to the world, the force that these highly synthetic images radiate, these powerful, determined brushstrokes, these self-absorbed figures, is overwhelming. Everything is worth celebrating: the human and the animal, the national and the universal, the telluric and the ethereal, all under the rule of a look and some brushes delivered, of soul, life and heart, to that imperishable mystery of form. and the color. Thank you Arnal, thanks to the Simón I. Patiño Center and the curatorship of this exhibition for bringing before our eyes all those fabrics of incalculable value and inescapable beauty.

El mundo de la memoria de Arnal, y la mía | THE WORLD OF ARNAL'S MEMORY, AND MINE

5/21/2023

Por Alfonso Gumucio Dagron. Escritor, cineasta, periodista, fotógrafo y especialista en comunicación para el desarrollo boliviano. Es autor de varios libros sobre cine y comunicación para el cambio social, así como de documentales, exposiciones fotográficas y cientos de artículos en revistas. Ha trabajado en los cinco continentes en proyectos de desarrollo social, como especialista en comunicación para el desarrollo.
(Texto original)

By Alfonso Gumucio Dagron. Bolivian writer, filmmaker, journalist, photographer, and development communication specialist. He is the author of several books on film and communication for social change, as well as documentary films, photographic exhibits, and hundreds of articles in journals. He has worked on five continents on social development projects, as a communication for development specialist.
(Translated text)

Me precio de ser amigo de los pintores, de quienes he aprendido mucho sobre arte. Admiro su sensibilidad, su pasión por el trabajo, su dedicación y en general “su mundo”, porque cada pintor amigo mío tiene un mundo propio en el que vive y desarrolla su obra con un instinto de abstracción de la coyuntura política que ya quisiera yo tener. Por eso su obra trasciende, porque sublima la realidad inmediata y proyecta valores humanos que no tienen fecha de caducidad.

A lo largo de varias décadas he disfrutado la amistad de Ricardo Pérez Alcalá, Luis Zilveti, Gil Imaná, Raúl y Gustavo Lara, Walter Solon Romero, Lorgio Vaca, Edgar Arandia, Rina Mamani y otros cuya obra me mira todos los días desde los muros de mi departamento. Tengo agradecimiento y aprecio por los amigos artistas cuyos dibujos en tinta dialogan con mis poemas en dos libros, “Sentímetros” (1990) y “Poeta de papel” (2016): David Darío Antezana, Patricia Mariaca, Erasmo Zarzuela, Carmen Perrin, Fernando Rodríguez Casas, Ejti Stih, Roxana Hartmann, Alejandro Salazar, Marcos Loayza, Carlos Villagómez entre otros. Los cinco últimos han diseñado tapas de libros míos.

Aunque la mayor parte de mis amigos pintores son bolivianos, conocí a artistas pioneros del arte naif en Haití y del arte indígena en Guatemala, y su obra también tiene un espacio entre el arte que más aprecio. En Nigeria tuve amistad con Oloruntoba, buen pintor y extraordinario personaje sobre el que filmé un documental, y en Papúa Nueva Guinea frecuenté a Mathias Kauage, pintor aborigen a quien la reina Isabel II le otorgó la Orden del Imperio Británico. Tengo un par de obras de él. Mi querida amiga Fatiha Rahou, argelina radicada en París, me fascinaba con su delicada y sensual pintura sobre vidrio, una técnica que había rescatado del pasado. En fin, muchas vidas que me enriquecieron en diferentes rincones del mundo, y que ya no están más, aunque me queda su obra.

Lo anterior, como introducción para referirme a Enrique Arnal, con quien también tuve amistad y cuya obra admiro. Quizás el periodo de mayor cercanía con Quico y Nina fue durante el exilio en México, a principios de 1980, cuando ellos vivían en un pequeño departamento que les alquilaba nada menos que el escritor Juan Rulfo (a quien conocí allí), en la calle Saturnino Herrán, en la Colonia San José Insurgentes.

Cada nueva exposición era una sorpresa. Cada una diferente a la anterior. Cada una cargada de una propuesta temática y plástica distinta. Arnal fue quizás el artista plástico menos previsible de Bolivia.

Casi todos mis amigos pintores “brochan” compulsivamente, todos los días, pero Enrique era diferente. Podía pasar semanas o meses sin pintar, mientras estaba cogitando algo grande. Esos periodos de interrupción le permitían acometer un nuevo tema en un estilo diferente. Cuando nos encontrábamos en las calles de La Paz, en la inmediaciones de la UMSA o en Sopocachi, lo veía taciturno observando lo que sucedía a su alrededor, como cargando baterías.

Por eso nos sorprendía a todos con algo nuevo, diferente. Sus montañas nevadas, impresionantes, sus toros, sus personajes solos en la inmensidad del altiplano. Confieso que soy más amigo de su obra figurativa que la abstracta, pero hay cuadros abstractos donde la sugerencia es demasiado fuerte como para no sentir la emoción del color o del manejo del espacio. “La abstracción significa rescatar de un paisaje lo esencial, eliminar lo superfluo”, dijo alguna vez.

Una oportunidad extraordinaria y única de aproximarse a la obra de Enrique Arnal se da ahora en Bolivia gracias a la retrospectiva excepcional que se inauguró el jueves 1 de septiembre en la galería de la Fundación Patiño, en La Paz.

Son más de 80 cuadros y dibujos, en su mayoría de colecciones privadas, que no tendremos la posibilidad de ver nuevamente agrupados como ahora, gracias a la curaduría de María Isabel Álvarez Plata y al auspicio de la Fundación Arnal y la Fundación Patiño.

Quienes (por edad y afinidad) conocimos a Enrique Arnal y a medida que creaba su obra descubrimos su tránsito por las diversas etapas de su actividad creativa, tuvimos el privilegio de ver el surgimiento de sus muestras temáticas de aparapitas, montañas, desnudos, gallos, toros o su obra abstracta. Hoy es un placer (“alegría estética”, decía Sartre) recobrar la memoria de ese itinerario pictórico del artista fallecido en 2016.

No se trata de una retrospectiva exhaustiva, pero es representativa del conjunto de la obra, organizada en torno a tres cuadros que agrupan obras de las diferentes épocas en ejes temáticos que dan cuenta de las motivaciones esenciales en la producción del artista, así como su carácter pionero y también las influencias que decantó (Picasso, Braque, Bacon, Rothko, por ejemplo).

Su memoria de juventud en Catavi es un hilo conductor permanente, así como el carácter místico del altiplano y las montañas nevadas, o la figura humana o animal representadas con movimiento y/o fuerza. La muestra incluye también un poderoso retrato de Franz Tamayo, dibujos de sugerente sensualidad, proyecciones de video, etc.

Hay más. Nina Tamayo de Arnal hizo la presentación de un libro excepcional que recoge el texto de Alejandra Echazú basado en conversaciones sostenidas con el propio Arnal en Washington, y abundantes imágenes de su obra. También incluye un retrato fotográfico que le hice en México, el año 1983. Es una edición bilingüe, que se suma a iniciativas anteriores, como el documental realizado por Matías Arnal en 2018.

Hay que ver esta muestra de Enrique Arnal con calma, en solitario, para saborearla mejor. Estará en La Paz casi todo el mes de septiembre, y luego un mes en Cochabamba y otro en Santa Cruz. Un regalo para quienes amamos el arte.

@AlfonsoGumucio es escritor y cineasta

I pride myself on being friends with painters, from whom I have learned a lot about art. I admire his sensitivity, his passion for work, his dedication and in general "his world", because each painter friend of mine has his own world in which he lives and develops his work with an instinct for abstraction from the political situation that I would like. have. That is why his work transcends, because it sublimates immediate reality and projects human values that do not have an expiration date.

Throughout several decades I have enjoyed the friendship of Ricardo Pérez Alcalá, Luis Zilveti, Gil Imaná, Raúl and Gustavo Lara, Walter Solon Romero, Lorgio Vaca, Edgar Arandia, Rina Mamani and others whose work looks at me every day from the walls. from my department. I am grateful and appreciate the artist friends whose ink drawings dialogue with my poems in two books, "Sentimeters" (1990) and "Poeta de papel" (2016): David Darío Antezana, Patricia Mariaca, Erasmo Zarzuela, Carmen Perrin, Fernando Rodríguez Casas, Ejti Stih, Roxana Hartmann, Alejandro Salazar, Marcos Loayza, Carlos Villagómez among others. The last five have designed covers for my books.

Although most of my painter friends are Bolivian, I met pioneering artists of naif art in Haiti and indigenous art in Guatemala, and their work also has a space among the art that I appreciate the most. In Nigeria I became friends with Oloruntoba, a good painter and an extraordinary character on whom I filmed a documentary, and in Papua New Guinea I met Mathias Kauage, an aboriginal painter who was awarded the Order of the British Empire by Queen Elizabeth II. I have a couple of works by him. My dear friend Fatiha Rahou, an Algerian living in Paris, fascinated me with her delicate and sensual painting on glass, a technique she had rescued from the past. In short, many lives that enriched me in different corners of the world, and that are no longer here, although her work remains.

The foregoing, as an introduction to refer to Enrique Arnal, with whom I also had a friendship and whose work I admire. Perhaps the closest period to Quico and Nina was during their exile in Mexico, in the early 1980s, when they lived in a small apartment that was rented to them by none other than the writer Juan Rulfo (whom I met there), on Saturnino street. Herrán, in the San José Insurgentes neighborhood.

Each new exhibition was a surprise. Each one different from the previous one. Each one loaded with a different thematic and plastic proposal. Arnal was perhaps the least predictable visual artist in Bolivia.

Almost all of my painter friends “brush” compulsively, every day, but Enrique was different. He could go weeks or months without painting, while he was picking up something big. Those periods of interruption allowed him to tackle a new subject in a different style. When we were in the streets of La Paz, in the vicinity of UMSA or in Sopocachi, I would see him taciturn, observing what was happening around him, as if charging batteries.

That's why he surprised us all with something new, different. Its impressive snow-capped mountains, its bulls, its characters alone in the immensity of the altiplano. I confess that I am more a friend of his figurative work than his abstract ones, but there are abstract paintings where the suggestion is too strong not to feel the emotion of color or the handling of space. "Abstraction means rescuing what is essential from a landscape, eliminating the superfluous," he once said.

An extraordinary and unique opportunity to get closer to the work of Enrique Arnal now occurs in Bolivia thanks to the exceptional retrospective that opened on Thursday, September 1, at the Fundación Patiño gallery, in La Paz.

There are more than 80 paintings and drawings, mostly from private collections, that we will not have the opportunity to see again grouped together like now, thanks to the curatorship of María Isabel Álvarez Plata and the sponsorship of the Arnal Foundation and the Patiño Foundation.

Those of us who (by age and affinity) knew Enrique Arnal and as he created his work discovered his transit through the various stages of his creative activity, had the privilege of seeing the emergence of his thematic exhibitions of aparapitas, mountains, nudes, roosters, bulls or his abstract work. Today it is a pleasure (“aesthetic joy”, as Sartre said) to recover the memory of that pictorial itinerary of the artist who died in 2016.

This is not an exhaustive retrospective, but it is representative of the work as a whole, organized around three paintings that group works from different periods into thematic axes that account for the essential motivations in the artist's production, as well as his character. pioneer and also the influences that decanted (Picasso, Braque, Bacon, Rothko, for example).

His memory of youth in Catavi is a permanent guiding thread, as well as the mystical character of the highlands and snow-capped mountains, or the human or animal figure represented with movement and/or force. The exhibition also includes a powerful portrait of Franz Tamayo, drawings of suggestive sensuality, video projections, etc.

There is more. Nina Tamayo de Arnal presented an exceptional book that includes Alejandra Echazú's text based on conversations held with Arnal himself in Washington, and abundant images of his work. It also includes a photographic portrait that I took of him in Mexico, in 1983. It is a bilingual edition, which adds to previous initiatives, such as the documentary made by Matías Arnal in 2018.

You have to see this sample of Enrique Arnal calmly, alone, to savor it better. He will be in La Paz for almost the entire month of September, and then a month in Cochabamba and another in Santa Cruz. A gift for those who love art.

@AlfonsoGumucio is a writer and filmmaker

ENRIQUE ARNAL EN TRES TIEMPOS | ENRIQUE ARNAL IN THREE STROKE

10/30/2022

Por Armando de Urioste. Fotógrafo y gestor cultural boliviano. Su formación académica tiene las siguientes pautas: Estudios de arquitectura (Bolivia, 1969-1971); estudios de comunicación (Chile, 1972-1973); especializado en dirección de fotografía y realización de televisión (Polonia, 1976-1982); Master en artes cinematográficas (Polonia, 1982). Director del CONACINE (2006-2007). Trabajó en las películas: Amargo Mar (1984), Abriendo Brecha (1984), La oscuridad radiante (1993) y Jonás y la ballena rosada (1995) entre otras.
(Texto original)

By Armando de Urioste. Bolivian photographer and cultural manager. His academic training has the following guidelines: Architecture studies (Bolivia, 1969-1971); communication studies (Chile, 1972-1973); specializing in cinematography and television production (Poland, 1976-1982); Master in cinematographic arts (Poland, 1982). Director of CONACINE (2006-2007). He worked on the films: Bitter Sea (1984), Opening the Gap (1984), The Radiant Darkness (1993) and Jonah and the Pink Whale (1995) among others.
(Translated text)

Muerte de Pablo Picasso

Acababa de concertar encuentro con la que sería mi cuñada Sylvia, en la estación Belgrano del tren argentino en Buenos Aires. Fue toda una operación en pleno Plan Condor con el récord de ejecutados, asesinados y desaparecidos en este contubernio anticomunista que idearon con el propósito de detener la ofensiva militar de exportación de la lucha armada que Cuba y Fidel habían puesto en marcha, logrando con el tiempo lo único en lo que eran duchos, fortalecer a la derecha con sus grupos paramilitares, casas de seguridad, persecuciones y ejecuciones sumarias como la que asistimos unas semanas ames en pleno Obelisco de la 9 de julio en que en determinado momento antes de alcanzar la esquina chillaban las llantas de una Van que se trepo a la jardinera mientras descendían tres hombres armados y luego sacaron vendado a un joven que se resistía, lo colocaron at pie del Obelisco y le desencajaron das ráfagas dejándolo pataleando en el piso para volver a subir a la Van y salir raudos mientras el joven jadeaba y terminaba de estirarse. En ese contexto habíamos conversado con llamadas que no durasen más de medio minuto para evitar la intercepción de la tira, y en varias conversas cortas quedamos vernos en la estación en una, y en una siguiente la hora, y la identificación de las chalinas. Así fue nos encontramos me entrego unas cartas para mi hermano, nos alegramos de vernos vivos porque no nos habíamos visto desde días antes del golpe de Pinochet en Santiago. Marcelo salió a La Paz y ella a Buenos Aires por pasaportes y nacionalidades y sin querer despertar sospecha, se fueron por rutas distintas después, meses después vendría el matrimonio.

Salgo de la estación afrancesada, preciosa, nada que ver con nuestra escala de alasitas de kollita cabeza negra, siempre mirando alrededor mío para descubrir cualquier movimiento sospechoso, con esa extraña y recurrente sensación de esos aciagos años de que sería mi último día, y yo tan mal vestido y de pronto un sollozo, profundo que terminaba en un llanto lastimero, lamento boliviano dirían en alguna canción quien sabe escrita por quién, y me aproximo a un hombre mayor de espaldas a la pared de una de las columnar metálica de la estación, que continuaba su sollozo, me detuve por respeto a esa expresión de dolor extremo, entonces me aproximo a decirle si le hace falta algo, que le sucede, ¿por qué del llanto?, en ese momento extrae un pañuelo del bolsillo del corazón del saco de tweed, parecía bayeta de la tierra par lo tosco y gira hacia mi con los ojos irritados por las lágrimas que le caían profusas y logro reconocerlo era Enrique Arnal en persona, la que me permití preguntarle ¿qué le sucedía porque el llanto, le habían hecho algún daño los milicos de mierda? Y el me respondió ha muerto, ha muerto, ¿Quién? le insistí, ¿Quién ha muerto? Ha muerto Paaabbloo, Pablo PICAAASSOOO. Nunca había asistido a un dolor tan grande de uno que sería con el tiempo un reconocido pintor, de los que pintan en serio Enrique Arnal, cuya inspiración fue ese animal de creatividad e innovación que marco el siglo con su energía ciclópea.

Segundo encuentro con Enrique Arnal. Aparapitas.

Lo de Buenos Aires quedo atrás, así como la muestra del taller de cerámica de la Inés Córdoba en la Galería ARCA que se atrevió a abrir, Enrique en medio de un panorama estrecho en espacios de exhibición. Estaba en la calle Juan de la Riva en los bajos del entonces Colegio La Salle que se bajaría a la Florida a ocupar ese hermoso proyecto arquitectónico de los Carlos Adriazola y Ramírez en sus mejores momentos de arquitecto.

Entonces Arnal aparecía en mi imaginario en unos Gallos, unos dibujos de gallos de pelea, de las gallerías a las que asistía en Sopocachi, así como al Olimpic de San Pedro, la plaza de corridas de toros, con su inmortal amigo de correrías Marcelo Quiroga Santa Cruz, incluso llegaron a filmar en blanco negro en 16mm. un corto documental de la gallería en Alto Sopocachi cerca de la Plaza Lira y fue, lo supe después por confesión de Enrique en el documental La Sangre Tiene Nombre que hice en homenaje a los desaparecidos de las dictaduras antes de la reconquista de la democracia en el 1982, eran como 70 desaparecidos, por eso el titulo y el más prominente era justamente Marcelo Quiroga Santa Cruz, el amigo del colegio Americano de Enrique. Fue Marcelo el que le pidió que haga los gallos para los créditos del documental de los gallos de pelea y así termino el pintor de Catavi, estudiando y trabajando con la seriedad que siempre impuso en su trabajo a los gallos de pelea que termino en una serie impresionante de colorido y esbeltez que solo me recuerdan a los gallos del cochabambino Gíldaro Antezana y las fotos que hice más tarde en la misma galería hoy desaparecida.

Me cita en su taller de la Francisco Bedregal, en un segundo piso, ya me había advertido mi madre que era una persona de carácter, bastante renegón y que debería ir precavido, era primera vez que me citaba a su taller, estaba intrigado para conocer el motivo había visto los gallos y un altiplano que me regalo mi madre que adoro y me inspiró en mis inicios frustrados de arquitectura.

Me recibe, agradeciendo que aceptara la invitación y me lanza de frente antes siquiera de ofrecerme una silla, eres fotógrafo, ¿no? Bueno sí, estoy empezando, claro ya tengo laboratorio y proceso mis fotos, seguramente su pareja numero dos que me dio trabajo en sociales de Presencia fue la que le comentaría, porque no puede pensarse que era un fotógrafo reconocido, era un feliz aprendiz de un arte que me regalo haber nacido en ésta ciudad de La Luz, Demasiada Luz como escribiría el sobrino de Franz Tamayo, Marcial.

Buena mira, Armando, necesito que me hagas un trabajo, estoy por empezar una nueva serie y se trata de Jos aparapitas, tu conoces a esos personajes de los mercados paceños, ¿no?

Ya por entonces después de mandar a la mierda a Jaime Sáenz par abuso y maltrato can los jóvenes que lo admiraban, le había oído hablar en medio de sus histriónicas conferencias magistrales de enorme atracción del saco de aparapita, su saco y de los aparapitas, esos personajes inmigrantes del más lejano campo venidos a la ciudad con el afán de conocer las profundidades del mundo y la muerte cargando lo que les ofrecieran, por la paga que fuera, eran unos auténticos desheredados de la tierra que se sumergían en el alcohol pero 4ue cargaban como a todos a los que el mundo les sustrajo toda forma de dignidad , toda la dignidad posible, a sus espaldas.

Entonces pactamos, un intercambio de obra por fotos, inaugurando una modalidad que me
permitió tener una apreciable colección de arte contemporáneo hecho en Bolivia.

Parto al Rodríguez, hervidero de la magnífica y variadísima oferta de esta tierra generosa de sus agricultores de todas las alturas y climas de esta tierra bendita, a los que asisten como moscas los aparapitas para mover esos quintales hechos en telas con un colorido para cada producto, es de una inspiración para los artistas plásticos y Arnal fue uno de los estudiosos que incorporo incluso ganando una Pedro Domingo Murillo con unas chiwiñas de mercado y allí me despache tres rollos de eso que cortaba de metro y medio midiendo con mis brazos, al ojímetro, y luego rebobinaba en carretes recargables de 35 mm en cuarto oscuro absoluto, para abaratar costos porque había muerto mi padre, que me inspirara en el arte de la fotografía con sus trabajos, y no estábamos en muy buena situación mi madre viuda joven en los cuarentas con seis hijos, seis Uriostes, además.

Proceso en el laboratorio en un rincón ganado a la cocina de la casa, copio los contactos y se los llevó a Enrique que queda maravillado y agradecido, ya no asistí a su elaboración porque me fui a Europa a estudiar, pero supe de la serie y luego la vi y me di cuenta que no se basaba solamente en la fotografía, salvo algún caso aislado, sino que le servía para dibujar y estudiar en centenares de hojas de papel antes de empezar a embadurnar con oleo los canvas tesados de la obra mayor.

Es una serie estremecedora de la lectura del universo del aparapita colocado en unos umbrales a lo desconocido y lo intrigante, coincidió, si, con las poses de espaldas, para destacar los sacos y las cuerdas de llama y oveja con las que trasladaban el mundo a sus espaldas, en unos tocuyos blancos de algodón con lo que anudaban cargas de quien sabe que, siempre con ojotas Y muchas veces lluchus existía una identificación personal de estos solitarios que expresan su estética como ética contra del mundo.

Tercer Tiempo Contra Enrique Arnal

José Bozo con Rodrigo Quiroga, habían demostrado capacidad como dupla creativa en su debut del Diesel, un bar en un local de muy buen diseño interior, concebido para estar sobre el terreno de un garaje vendido o alquilado en la 20 de Octubre y el alcalde había convenido con la familia del mártir desaparecido de erguir un memorial en el corazón de la ciudad, entonces fue que la dupla se dio al trabajo de diseñar el memorial que termino siendo un cilindro de unos 8 metros de diámetro por tres y medio de altura, una especie de tanque de productos del petróleo de acero visto, que tenía un acceso a un espacio abierto pleno de esa altura que contenía en el eje de ese espacio una columna de granito comanche esculpida de manera que representaba una roca partida por el rayo del odio, simbolizando a la manera del pino tallado de la tumba de John F. Kennedy en Arlington, una vida mochada, que era además una fuente de agua, a manera de cascada como la perpetuidad de la memoria fluida el agua caía a un canal circular desde donde se retornaba hasta la fuente de manera circular para dar el rumor de una agua que lame la piedra y en esa base estaba la urna de piedra enterrada en la que caberían los restos de Marcelo siempre que devuelvan su cadáver a la familia y a Bolivia.

En ese espacio se erigió un muro curvo que tendría el propósito de instalar un mural conmemorativo a la vida y ejemplo de Quiroga Santa Cruz y fue que el alcalde Juan del Granado me contacta para consultarme mi opinión sobre quién podría encarar ese trabajo, inmediatamente pensé en Enrique Arnal, por lo amigo que eran y que este pintor evitaría esos panfletos ilustrados que en muchas momentos degenero por falta de talento la pintura social que surgió como efecto de la Revolución de Abril con todas sus enormes connotaciones sociales e históricas pue termino muchas veces en ilustraciones de revistas de comics enalteciendo lo popular contra el imperio, como si fuera un cachascán y las victimas, que se representaban inspirados en la muralistica de la segunda revolución americana, la Mexicana que le siguió a la revolución americana que se inspiró en el arte europeo francés sobre todo y no en el indianismo de la eclosión estética mexicana.

Se cumplieron los requisitos administrativos, y una vez que se aceptó lo propuesto visitamos el lugar y se procedió de inmediato a iniciar la obra; ya por entonces surgieron cuestionamientos al monto metálico presupuestado en el homenaje. Un tiempo después una Comisión del Consejo Municipal solicito realizar una inspección al avance de obra. Cuando nos enfrentamos a los avances sobresalía la imagen de un toro negro en actitud de enfrentar al espectador cuando uno de los miembros, educado en el realismo indigenista, consulto ¿qué tiene que ver Marcelo Quiroga Santa Cruz con un toro?

Enrique en su camuflaje se silencios, emprendió a introducir la brocha en el balde de color rojo y empezó con energía a trazar una cruz roja sobre el toro y el resto del mural, sorprendiéndome a mí y a los miembros que nos acompañaban y cuando termino de casi borrar lo avanzado, dijo hasta aquí mi trabajo, yo soy el pintor y solo yo soy responsable artístico de lo que sucede en esta pared.

Nadie se puso a pensar lo que habría tenido que vencer Arnal en su interior para intentar hacer homenaje al amigo íntimo y revolver todas las emociones que se le agolparían en el brazo y la mano para enfrenta el muro blanco y se le cuestiona de una manera que consideraría irrespetuosa. Nos costó un particular esfuerzo de persuasión para que finalmente se concluya el mural, tras insistentes invitaciones a no ocasionarnos un enredo administrativo mayúsculo el municipio y a mi persona por proponer a un inclaudicable defensor de su arte. Por el espíritu de la amistad y del amor a la ciudad finalmente se completó el Memorial Marcelo Quiroga Santa Cruz como lo quisieron José y Rodrigo Quiroga, su hijo.

Death of Pablo Picasso

I had just arranged a meeting with what would be my sister-in-law Sylvia, at the Belgrano station of the Argentine train in Buenos Aires. It was an entire operation in the midst of Plan Condor with a record of executions, assassinations and disappearances in this anti-communist conspiracy that they devised with the purpose of stopping the military offensive to export the armed struggle that Cuba and Fidel had launched, achieving over time the only thing they were experts at, strengthening the right with its paramilitary groups, safe houses, persecutions and summary executions like the one we witnessed a few weeks ago in the middle of the Obelisk on July 9, when at a certain point before reaching the corner The tires of a van that climbed into the flowerbed screeched while three armed men descended and then they blindfolded a young man who resisted, placed him at the foot of the Obelisk and dislodged him with two bursts, leaving him kicking on the floor to go back up to the They go and leave quickly while the young man panted and finished stretching. In this context we had talked with calls that did not last more than half a minute to avoid the interception of the strip, and in several short conversations we arranged to see each other at the station in one, and in another the hour, and the identification of the scarves. That's how it was, we met, he gave me some letters for my brother, we were glad to see each other alive because we hadn't seen each other for days before Pinochet's coup in Santiago. Marcelo went to La Paz and she to Buenos Aires for passports and nationalities and without wanting to arouse suspicion, they went by different routes later, months later the marriage would come.

I leave the station Frenchified, precious, nothing to do with our scale of black-headed kollita wings, always looking around me to discover any suspicious movement, with that strange and recurring feeling of those fateful years that it would be my last day, and I so badly dressed and suddenly a sob, deep that ended in a pitiful cry, Bolivian lament they would say in some song who knows written by whom, and I approach an older man with his back to the wall of one of the metal columns of the station , who continued his sobbing, I stopped out of respect for that expression of extreme pain, then I approached him to tell him if he needs something, what happens to him, why the crying? At that moment he takes a handkerchief from the pocket of the heart of the tweed sack, it looked like a cloth from the earth because of its roughness and turns towards me with eyes irritated by the tears that fell profusely and I manage to recognize it was Enrique Arnal in person, the one who allowed me to ask him what Was it happening to her because she was crying, had the shitty soldiers done her any harm? And he answered me he has died, he has died, who? I insisted, who has died? Paaabbloo, Pablo PICAAASSOOO, has died. He had never witnessed such great pain from one who would eventually be a renowned painter, one of those who paint seriously Enrique Arnal, whose inspiration was that animal of creativity and innovation that marked the century with his cyclopean energy.

Second meeting with Enrique Arnal. Aparapitas.

What happened in Buenos Aires was left behind, as well as the sample of Inés Córdoba's ceramics workshop in the ARCA Gallery that dared to open, Enrique in the middle of a narrow panorama in exhibition spaces. He was on Juan de la Riva street on the ground floor of the then La Salle College that would go down to Florida to occupy that beautiful architectural project of Carlos Adriazola and Ramírez in his best moments as an architect.

Then Arnal appeared in my imagination in some Gallos, some drawings of fighting cocks, from the galleries he attended in Sopocachi, as well as the San Pedro Olimpic, the bullfighting ring, with his immortal friend Marcelo Quiroga. Santa Cruz even filmed black and white in 16mm. a short documentary about the gallery in Alto Sopocachi near Plaza Lira and it was, I found out later through Enrique's confession in the documentary La Sangre Has a Name that I made in homage to the disappeared of the dictatorships before the reconquest of democracy in the In 1982, there were about 70 disappeared, that's why the title and the most prominent was precisely Marcelo Quiroga Santa Cruz, Enrique's friend from American school. It was Marcelo who asked him to make the roosters for the credits of the fighting roosters documentary and that is how the painter from Catavi ended up, studying and working with the seriousness that he always imposed on fighting roosters in his work, which ended up in a series impressive color and slenderness that only remind me of the roosters of Cochabamba Gíldaro Antezana and the photos I took later in the same gallery that now disappeared.

He meets me at his workshop in Francisco Bedregal, on the second floor, my mother had already warned me that he was a person of character, quite grumpy and that I should be careful, it was the first time he had met me at his workshop, I was intrigued to meet the reason I had seen the roosters and a plateau that my mother gave me that I adore and inspired me in my frustrated beginnings of architecture.

She welcomes me, thanking her for accepting the invitation, and throws me in the face before even offering me a chair, you're a photographer, right? Well yes, I'm starting, of course I already have a laboratory and I process my photos, surely his number two partner who gave me a job in Presencia social media was the one who would tell him, because you can't think that he was a recognized photographer, he was a happy apprentice of a art that was given to me by being born in this city of Light, Too Much Light as Franz Tamayo's nephew, Marcial, would write.

Good look, Armando, I need you to do a job for me, I'm about to start a new series and it's about Jos aparapitas, you know those characters from the markets in La Paz, right?

Already at that time, after sending Jaime Sáenz to hell for abuse and mistreatment with the young people who admired him, I had heard him speak in the middle of his histrionic master lectures about the enormous attraction of the aparapita sack, his sack and the aparapitas, those Immigrant characters from the farthest countryside who came to the city with the desire to discover the depths of the world and death, carrying whatever they were offered, regardless of the pay, they were authentic disinherited from the land who immersed themselves in alcohol but carried like everyone from whom the world took away all forms of dignity, all possible dignity, behind their backs.

So we agreed, an exchange of work for photos, inaugurating a modality that allowed me to have an appreciable collection of contemporary art made in Bolivia.

I am leaving for Rodríguez, a hotbed of the magnificent and varied offer of this generous land from its farmers of all heights and climates of this blessed land, who are assisted like flies by the aparapitas to move those quintals made of fabrics with a color for each product. , it is an inspiration for plastic artists and Arnal was one of the scholars that I incorporated even winning a Pedro Domingo Murillo with some chiwiñas from the market and there he sent me three rolls of that that I cut from a meter and a half measuring with my arms, to the ojimeter , and then rewound on reloadable 35mm reels in absolute darkroom, to cut costs because my father had died, to inspire me in the art of photography with his work, and we were not in a very good situation, my young widowed mother in the forties with six children, six Uriostes, besides.

Process in the laboratory in a corner of the kitchen of the house, I copy the contacts and take them to Enrique who is amazed and grateful, I no longer attended its preparation because I went to Europe to study, but I found out about the series and then I saw it and realized that it was not based solely on photography, except for some isolated cases, but that it was used to draw and study on hundreds of sheets of paper before beginning to daub the stretched canvas of the larger work with oil.

It is a shocking series of the reading of the universe of the aparapita placed in some thresholds to the unknown and the intriguing, it coincided, yes, with the back poses, to highlight the sacks and the llama and sheep ropes with which they moved the world to their backs, in some white cotton tocuyos with which they tied loads of who knows what, always with flip flops And many times lluchus there was a personal identification of these lonely people who express their aesthetics as ethics against the world.

Third Time Against Enrique Arnal

José Bozo with Rodrigo Quiroga, had shown capacity as a creative duo in their Diesel debut, a bar in a place with a very good interior design, conceived to be on the land of a garage sold or rented on October 20 and the mayor had agreed with the family of the disappeared martyr to erect a memorial in the heart of the city, so the duo took on the task of designing the memorial, which ended up being a cylinder about 8 meters in diameter by three and a half meters high, a a kind of exposed steel tank for petroleum products, which had access to a full open space of that height that contained in the axis of that space a Comanche granite column sculpted in such a way that it represented a rock split by the lightning of hate, symbolizing, like the carved pine tree on John F. Kennedy's tomb in Arlington, a wet life, which was also a source of water, like a waterfall like the perpetuity of fluid memory, the water fell to a circular channel from where it returned to the fountain in a circular way to give the sound of water lapping the stone and at that base was the buried stone urn in which Marcelo's remains would fit as long as his body was returned to the family and Bolivia.

In that space a curved wall was erected that would have the purpose of installing a commemorative mural to the life and example of Quiroga Santa Cruz and it was that the mayor Juan del Granado contacted me to ask my opinion about who could undertake this work, I immediately thought of Enrique Arnal, because of how friendly they were and that this painter would avoid those illustrated pamphlets that in many moments degenerated due to lack of talent the social painting that emerged as an effect of the April Revolution with all its enormous social and historical connotations that many times ended in illustrations from comic magazines extolling the popular against the empire, as if it were a cachascán and the victims, who were represented inspired by the murals of the second American revolution, the Mexican that followed the American revolution that was inspired by European art French above all and not in the Indianism of the Mexican aesthetic hatching.

The administrative requirements were met, and once the proposal was accepted, we visited the place and proceeded immediately to start the work; At that time, questions arose about the metallic amount budgeted for the tribute. Some time later, a Municipal Council Commission requested an inspection of the progress of the work. When we faced the advances, the image of a black bull stood out in an attitude of facing the viewer when one of the members, educated in indigenous realism, asked what does Marcelo Quiroga Santa Cruz have to do with a bull?

Enrique in his camouflage was silent, began to introduce the brush in the red bucket and began with energy to draw a red cross on the bull and the rest of the mural, surprising me and the members who accompanied us and when he finished almost erase what is advanced, my work has been said so far, I am the painter and only I am artistically responsible for what happens on this wall.

Nobody thought about what Arnal would have had to overcome inside himself to try to pay homage to his close friend and stir all the emotions that would crowd his arm and hand to face the white wall and he is questioned in a way that would consider disrespectful. It cost us a particular effort of persuasion to finally conclude the mural, after insistent invitations not to cause a major administrative entanglement for the municipality and myself for proposing an unwavering defender of his art. In the spirit of friendship and love for the city, the Marcelo Quiroga Santa Cruz Memorial was finally completed as José and Rodrigo Quiroga, his son, wanted it.

Enrique Arnal, pintor de recuerdos y soledades | Enrique Arnal, painter of memories and loneliness

1/14/2022

Por Víctor Montoya (La Paz, 1958). Escritor, periodista cultural y pedagogo boliviano. Obtuvo varios premios y becas literarias. Sus cuentos han sido traducidos y publicados en antologías de todo el mundo. Actualmente escribe para publicaciones de América Latina, Europa y Estados Unidos.
(Texto original)

By Victor Montoya (La Paz, 1958). Bolivian writer, cultural journalist and pedagogue. He obtained several literary awards and scholarships. His stories have been translated and published in anthologies around the world. He currently writes for publications in Latin America, Europe and the United States.
(Translated text)

El artista plástico Enrique Arnal Velasco nació en el centro minero de Catavi, al norte del departamento de Potosí, el 19 de marzo de 1932. Su padre Luis trabajó como jefe de contabilidad en la planta administrativa de la “Patiño Mines”, donde el niño Enrique descubrió su vocación de pintor de la mano de su madre Emma, quien también trazaba líneas y coloreaba imágenes en sus tiempos libres.

Si nos referimos a Enrique Arnal es porque la mayoría de los pobladores cataveños desconocen su existencia y su invalorable aporte a las artes plásticas del país y el mundo. En consecuencia, es necesario que se lo conozca y reconozca en la tierra que lo vio nacer, ya que fue una estrella que brilló, con méritos y luz propia, en la constelación de los artistas que dedicaron su vida a la creación de obras que, además de formar parte del patrimonio cultural de un valeroso pueblo, son la caja de resonancia de su fuero interno, irradiándose a través de formas y colores distribuidos armónicamente en los lienzos cual si fuesen discos cromáticos encajados en un gigante caleidoscopio.

Enrique Arnal, acostumbrado a los torbellinos de polvo y los gélidos silbidos del viento, reflejó en sus obras pictóricas sus vivencias de infancia, que dejaron imborrables huellas en su memoria de niño nacido entre los cerros agrestes y mineralizados del altiplano, donde aprendió a gatear y dar sus primeros pasos, cayéndose sobre el tupido césped de uno de los chalets situados cercas de la Casa Gerencia, sede de la poderosa “Patiño Mines & Interprises Consolidated (Inc.)”, que por entonces era la mayor proveedora de estaño del mundo y el centro neurálgico de la economía nacional.

Quienes lo conocieron en persona, lo describen como un “hombre de vigoroso físico, tímido y reservado, determinado, determinante y de opiniones lapidarias”. Nunca admitió que el arte estuviese controlado por los sistemas de poder, tampoco se vinculó a ninguna corriente ideológica ni partido político, pero siempre tuvo presente su compromiso con los más necesitados y marginados de la sociedad, quizás, debido a la vieja amistad que mantuvo con Marcelo Quiroga Santa Cruz, a quien conoció en el Instituto Americano de La Paz.

Enrique Arnal tuvo una infancia feliz; digo “feliz”, porque supongo que su familia llevaba una vida sin premuras cotidianas ni preocupaciones económicas. Incluso poseían cámaras fotográficas y filmadoras, en una época en que las familias mineras no tenían ni la salud completa y hacían todo lo imposible para sobrevivir a la miseria a la que fueron sometidas por el sistema de explotación capitalista.

Una vez que concluyó sus estudios secundarios, decidió dedicarse a las artes plásticas en la que fue un auténtico autodidacta, pero con una vocación natural para el dibujo, el grabado y la pintura, en la que destacó como uno de los mejores artistas plásticos de su época. Así fue que, tras doce años de actividad dedicada íntegramente a la creación pictórica, obtuvo una beca de la Fundación Simón I. Patiño, que le permitió estudiar en París entre 1966 y 1967. Más tarde, obtuvo otra beca del Programa Fulbright para realizar estudios en Virginia, EE.UU.

Enrique Arnal, lejos de los compromisos políticos y sociales de la revolución nacionalista de 1952, desarrolló su obra en la soledad y en series temáticas, que proyectaban su mundo interno, sus experiencias oníricas y su inquietud por crear una pintura con estética introspectiva y estilo personal, aunque en una parte de su producción se nota una marcada influencia del cubismo, sobre todo, en su representación del mundo pétreo del altiplano y otras temáticas nacionales.

Desde 1954, año en que tuvo su primera exposición individual en el Cuzco, Perú, a sus 22 años de edad, exhibió sus obras en diferentes ciudades sudamericanas, Estados Unidos y Europa. Participó en numerosas exposiciones colectivas, eventos y concursos nacionales e internacionales. Fue el tercer artista en ser galardonado con el Gran Premio “Pedro Domingo Murillo” en 1955. Desde entonces, se hizo merecedor de numerosos galardones en mérito a la gran calidad de sus pinturas hechas con fuerza expresiva y sentido ético.

Enrique Arnal era un hombre de carácter solitario y meditabundo. Algunos de sus colegas lo consideraban “el pintor del silencio y de la soledad del hombre, tanto andino como universal”. Podía estar días enteros recluido en su estudio, sin otra compañía que la música clásica y obsesionado en convertir sus ideas en obras de arte, vinculadas a una vida espiritual y temperamento creativo. Su soledad de artista fue confirmada por su hijo Matías Arnal, quien, en una entrevista, manifestó: “Tengo tantos recuerdos de mi padre, desde mi primera memoria siempre en su estudio, cuando vivíamos en Bolivia, quedaba en el altillo de nuestra casa y él con su pincel y con música clásica. Él armaba un hermoso entorno. Tenía paz y armonía, y se dedicaba plenamente al arte”.

El artista agrupó sus obras en series temáticas, que iban desde la figura humana solitaria hasta los animales domésticos y silvestres, pasando por los paisajes sintéticos y pueblos pétreos, como todo artista interesado en universalizar lo local, lo cotidiano y lo vivencial. En sus cuadros no están ausentes las montañas andinas, la tragedia de los mineros, la naturaleza muerta, los bodegones, la represión política y otros que formaban parte del mundo de su memoria, como cuando realizó una serie de pinturas testimoniales de la época en que fue perseguido y preso político, en las que plasmó las sesiones de interrogatorios y atropellos a la dignidad humana, que tenían lugar en las mazmorras de la dictadura militar de los años 70.

Hubo varios períodos en su vida en los que realizó pinturas representando la figura humana (hombres y mujeres, en algunos casos desnudos), armado con una paleta cromática, donde predominaban los colores oscuros interrumpidos por tonos vivos y contrastantes, negando así cualquier componente figurativo, folklórico, y abandonándose libremente a las figuras geométricas, su articulación y relación dentro de la composición.

Su honda sensibilidad lo llevó a pintar una serie inspirada en el “aparapita”, ese cargador de los mercados de abasto de las ciudades que, con el lazo o mantón al hombro y su indumentaria de ser marginal, quedó retratado, de cuerpo entero y el rostro velado, en los cuadros pintados al óleo sobre lienzo, donde predominan pocos pero efectivos colores, como son los matices oscuros, los tonos tierra acompañados de grises y negros, que parecen haber sido elegidos de manera consciente para ajustarse a la lóbrega realidad del “aparapita”.

Una de las pasiones de Enrique Arnal fue pintar animales: toros, caballos, gallos, perros, bisontes y, sobre todo, cóndores, inspirado en los recuerdos de su infancia, un periodo de su vida en que tuvo un contacto directo con el ganado vacuno y caballar, los asnos y las mulas, animales que eran empleados en el transporte del mineral. En una de las fotografías del álbum familiar, captada en blanco y negro en el patio de una de las viviendas que ocupaban los técnicos de la “Patiño Mines”, se lo ve posando entre dos terneros y al lado del Cóndor Martín. En otras fotografías se lo ve disfrazado de vaquero y montado en el caballo que le regaló su padre. Por lo tanto, no es casual que, a mediados de la década de 1970, se hubiese dedicado a pintar una serie de cóndores, con una explosión de colores que dignifican la majestuosidad de esa mítica ave, que es uno de los símbolos patrios y el que mejor representa a los pobladores de la Cordillera de los Andes.

La fascinación por el ave de carroña, longeva y de gran envergadura cuando está con las alas desplegadas, estaba vinculada a sus vivencias de niñez, cuando conoció y acarició a un cóndor que sobrevolaba por las poblaciones mineras del norte de Potosí, y que los mineros lo bautizaron con el nombre de Cóndor Martín, que cumplía con la función de mensajero de la Empresa Minera, cuyos administradores, a modo de pagarle por sus servicios, determinaron darle una ración diaria de carne en la “pulpería”. El Cóndor Martín, que lo impactó decisivamente en su infancia, fue el que inspiró esa serie de aves, de plumaje negro-azabache y pico terminado en gancho, que se aprecian en sus magistrales cuadros que actualmente están dispersos en instituciones culturales y colecciones privadas.

Huelga informarle al lector que la Regional Catavi del Archivo Histórico de la Minería Nacional de la COMIBOL, en el número 20 de su “Serie de Literatura Minera”, publicó el folleto “El Cóndor Martín” (2021); un compendió realizado por el Escritor Víctor Montoya. El folleto contiene textos escritos por seis autores en torno al ave que sobrevoló por los azulinos cielos de las poblaciones mineras, dejando una estela de historias que, ampliadas en mayor o menor grado con episodios imaginativos, fueron convertidas en una suerte de leyendas y relatos fantásticos. Los textos, como no podía ser de otra manera, fueron ilustrados con las magníficas pinturas de Enrique Arnal.

Es evidente que los recuerdos de su infancia marcaron la temática de su obra hecha a grandes brochazos, porque junto a los paisajes del entorno andino y los animales que lo sedujeron en sus primeros años, está el mundo minero con su energía mítica y telúrica. Se trata de una serie de obras pintadas con gran sensibilidad y visión muy particular, que él denominó “Mitología Minera”, con oscuros socavones, aislados de la superficie expuesta a luz del sol, donde los obreros trabajaban en condiciones infrahumanas, peleándose con las rocas de la montaña, que escondía en sus entrañas los yacimientos de estaño y se tragaba la vida de los mineros para que unos pocos se hagan millonarios y vivan a cuerpo de rey.

No cabe duda de que Enrique Arnal reprodujo, en gran parte de su obra pictórica, los sucesos que le impactaron mientras crecía en el centro minero de Catavi. Por eso mismo, en varios de ellos, los paisajes, unos abstractos y otros más realistas, corresponden a ese entorno geográfico, donde pasó los primeros ocho años de su niñez, contemplando la realidad social y la tragedia humana. No en vano en los años de 1980, tras una larga ausencia del país, pintó la serie denominada “Mitología Minera”, que condensan los recuerdos que marcaron su pasado, ya que en las galerías de su memoria se mantuvieron intactos los rasgos físicos de los obreros y los socavones que conoció de la mano de su padre.

En el centro minero de Catavi, el artista tuvo una infancia llena de gratos momentos y travesuras inolvidables, que compartió con su mejor amigo Cirilo, hijo de un trabajador minero, con quien osaba aventuras como eso de colgarse de los vagones de los andariveles que transportaban la granza de la planta de concentración de mineral, a través de maromas tendidas de un punto a otro, hacía los denominados “desmontes”, donde Enrique Arnal y su amigo, lejos del control de los padres, jugaban ensuciándose las ropas con el polvo y la “copajira” de los relaves.

Enrique Arnal se desempeñó también como gestor cultural del arte. Creó la Galería “Arca”, que estuvo activa en la ciudad de La Paz, entre 1968 y 1970. Posteriormente, gestionó con Mario Mercado Vaca Guzmán la creación de la Galería de Arte EMUSA en 1974, un espacio donde podía exhibirse obras de manera profesional y permitía realizar otras actividades artísticas y culturales.

Ejerció como docente en la Carrera de Artes Plásticas de la Universidad Mayor de San Andrés, de 1978 a 1980, dos años en los que muchos estudiantes se beneficiaron de la experiencia y la capacidad didáctica del maestro Enrique Arnal. Además, uno de sus importantes aportes fue la obra de investigación “Breve diccionario biográfico de pintores bolivianos contemporáneos” (La Paz, 1986), que contó con la colaboración de Silvia Arze y fue editado por INBO; un compendio en el cual se reunió información sobre los pintores bolivianos del siglo XX.

Enrique Arnal, que también se desempeñó como Director del Instituto Latinoamericano de Relaciones Internacionales (ILARI) y cumplió funciones diplomáticas como Agregado Cultural (Ad-honoren) de las embajadas de Bolivia en México y Francia, fue uno de los artistas más importantes de la plástica nacional contemporánea y un cataveño que aportó muchísimo al arte nacional, tanto como lo hicieron otros artistas nortepotosinos, como Miguel Alandia Pantoja (Llallagua, 1914 – Lima, Perú, 1975), Benedicto Aiza Álvarez (Uncía, 1952 – La Paz, 2009), Mario Vargas Cuellar (Catavi, 1942), Marcelo Mamani Coca (Catavi, 1959) y Zenón Sansuste Zapata (Catavi, 1962), entre otros.

Enrique Arnal Velasco vivió aferrado a los recuerdos atesorados desde la infancia, hasta el día en que falleció, tras una larga enfermedad, en la ciudad de Washington, DC., lejos de su tierra natal, el 10 de abril de 2016. Desde luego que su muerte nos privó de un artista plástico de enorme potencialidad, quien supo plasmar su ingenio creativo en obras imperecederas para el patrimonio cultural de la nación boliviana y el mundo entero. No obstante, estamos seguros de que, en su tránsito por los senderos de la muerte, Catavi seguirá siendo la cuna de su nacimiento, el territorio donde transcurrió su infancia y el centro minero que inspiró su obra pictórica que, en medio de un torbellino de pinturas, paletas, pinceles, rodillos y espátulas, fundió el imaginario popular y las experiencias personales con sus nobles sentimientos hechos de pura sensibilidad e inconmensurable fuerza creativa.

The plastic artist Enrique Arnal Velasco was born in the mining center of Catavi, north of the department of Potosí, on March 19, 1932. His father Luis worked as head of accounting in the administrative plant of the “Patiño Mines”, where the boy Enrique discovered his vocation as a painter from the hand of his mother Emma, who also drew lines and colored images in her free time.

If we refer to Enrique Arnal, it is because the majority of the Cataveño inhabitants are unaware of his existence and his invaluable contribution to the plastic arts of the country and the world. Consequently, it is necessary that he be known and recognized in the land where he was born, since he was a star that shone, with merits and light of its own, in the constellation of artists who dedicated their lives to the creation of works that, In addition to being part of the cultural heritage of a courageous people, they are the resonance box of its internal forum, radiating through shapes and colors harmoniously distributed on the canvases as if they were chromatic discs embedded in a giant kaleidoscope.

Enrique Arnal, accustomed to the whirlwinds of dust and the icy whistles of the wind, reflected in his pictorial works his childhood experiences, which left indelible marks on his memory as a child born among the rugged and mineralized hills of the altiplano, where he learned to crawl and take its first steps, falling on the dense grass of one of the chalets located near the Casa Gerencia, headquarters of the powerful “Patiño Mines & Interprises Consolidated (Inc.)”, which at that time was the largest supplier of tin in the world and the nerve center of the national economy.

Those who knew him in person describe him as a "man of vigorous physique, shy and reserved, determined, decisive and of lapidary opinions." He never admitted that art was controlled by power systems, nor was he linked to any ideological current or political party, but he always kept in mind his commitment to the most needy and marginalized in society, perhaps due to the old friendship he maintained with Marcelo Quiroga Santa Cruz, whom he met at the American Institute of La Paz.

Enrique Arnal had a happy childhood; I say "happy", because I suppose that his family led a life without daily haste or financial worries. They even owned cameras and camcorders, at a time when mining families did not even have complete health and did everything possible to survive the misery to which they were subjected by the capitalist exploitation system.

Once he finished his secondary studies, he decided to dedicate himself to the plastic arts in which he was a true self-taught, but with a natural vocation for drawing, engraving and painting, in which he stood out as one of the best plastic artists of his life. epoch. Thus it was that, after twelve years of activity devoted entirely to pictorial creation, he obtained a grant from the Simón I. Patiño Foundation, which allowed him to study in Paris between 1966 and 1967. Later, he obtained another grant from the Fulbright Program to study in Virginia, USA

Enrique Arnal, far from the political and social commitments of the 1952 nationalist revolution, developed his work in solitude and in thematic series, which projected his internal world, his dream experiences and his concern to create a painting with introspective aesthetics and personal style. , although in a part of his production there is a marked influence of cubism, especially in his representation of the stone world of the highlands and other national themes.

Since 1954, the year he had his first solo exhibition of him in Cuzco, Peru, at 22 years of age, he exhibited his works in different South American cities, the United States and Europe. He participated in numerous group exhibitions, events and national and international competitions. He was the third artist to be awarded the “Pedro Domingo Murillo” Grand Prize in 1955. Since then, he has won numerous awards in merit of the high quality of his paintings made with expressive force and an ethical sense.

Enrique Arnal was a man of solitary and thoughtful character. Some of his colleagues considered him "the painter of silence and solitude of man, both Andean and universal." He could spend whole days confined in his studio, with no other company than classical music and obsessed with turning his ideas into works of art, linked to a spiritual life and creative temperament. His loneliness as an artist was confirmed by his son Matías Arnal, who, in an interview, stated: “I have so many memories of my father, from my first memory always in his studio, when we lived in Bolivia, he stayed in the attic of our house and him with his brush and classical music. He put together a beautiful environment. He had peace and harmony, and was fully dedicated to art."

The artist grouped his works into thematic series, ranging from the solitary human figure to domestic and wild animals, passing through synthetic landscapes and stone towns, like any artist interested in universalizing the local, the everyday and the experiential. In his paintings, the Andean mountains, the tragedy of the miners, still life, still lifes, political repression and others that were part of the world of his memory are not absent, such as when he made a series of testimonial paintings of the time in which He was persecuted and a political prisoner, in which he reflected the interrogation sessions and abuses of human dignity, which took place in the dungeons of the military dictatorship of the 70s.

There were several periods in his life in which he made paintings representing the human figure (men and women, in some cases naked), armed with a chromatic palette, where dark colors interrupted by bright and contrasting tones predominated, thus denying any figurative component, folkloric, and freely abandoning himself to geometric figures, their articulation and relationship within the composition.

His deep sensitivity led him to paint a series inspired by the "aparapita", that porter of the supply markets of the cities who, with the bow or shawl on his shoulder and his marginal clothing, was portrayed, full body and the veiled face, in the paintings painted in oil on canvas, where few but effective colors predominate, such as dark nuances, earth tones accompanied by grays and blacks, which seem to have been consciously chosen to adjust to the gloomy reality of "aparapita."

One of Enrique Arnal's passions was painting animals: bulls, horses, roosters, dogs, bison and, above all, condors, inspired by the memories of his childhood, a period of his life in which he had direct contact with cattle. and horses, donkeys and mules, animals that were used to transport the mineral. In one of the photographs in the family album, captured in black and white in the courtyard of one of the houses occupied by the “Patiño Mines” technicians, he is seen posing between two calves and next to the Cóndor Martín. In other photographs, he is seen dressed as a cowboy and riding the horse that his father gave him. Therefore, it is not by chance that, in the mid-1970s, he had dedicated himself to painting a series of condors, with an explosion of colors that dignify the majesty of that mythical bird, which is one of the national symbols and the that best represents the inhabitants of the Andes Mountains.

The fascination for the carrion bird, long-lived and large when it is with outstretched wings, was linked to his childhood experiences, when he met and caressed a condor that flew over the mining towns of northern Potosí, and that the miners They baptized him with the name of Cóndor Martín, who fulfilled the function of messenger of the Mining Company, whose administrators, by way of paying him for his services, determined to give him a daily ration of meat in the “grocery store”. The Cóndor Martín, who had a decisive impact on him in his childhood, was the one that inspired this series of birds, with jet-black plumage and hooked beak, which can be seen in his masterful paintings that are currently dispersed in cultural institutions and private collections.

Needless to inform the reader that the Regional Catavi of the COMIBOL National Mining Historical Archive, in number 20 of its "Mining Literature Series", published the brochure "El Cóndor Martín" (2021); a compendium made by the Writer Víctor Montoya. The brochure contains texts written by six authors about the bird that flew over the blue skies of the mining towns, leaving a trail of stories that, expanded to a greater or lesser degree with imaginative episodes, were turned into a kind of legends and fantastic stories . The texts, how could it be otherwise, were illustrated with the magnificent paintings of Enrique Arnal.

It is evident that the memories of his childhood marked the theme of his work done with large strokes, because next to the landscapes of the Andean environment and the animals that seduced him in his early years, there is the mining world with its mythical and telluric energy. It is a series of works painted with great sensitivity and very particular vision, which he called "Mining Mythology", with dark holes, isolated from the surface exposed to sunlight, where the workers worked in subhuman conditions, fighting with the rocks of the mountain, which hid in its entrails the tin deposits and swallowed the lives of the miners so that a few would become millionaires and live like a king.

There is no doubt that Enrique Arnal reproduced, in a large part of his pictorial work, the events that impacted him while he was growing up in the mining center of Catavi. For this reason, in several of them, his landscapes, some abstract and others more realistic, correspond to that geographical environment, where he spent the first eight years of his childhood, contemplating social reality and human tragedy. Not in vain in the 1980s, after a long absence from the country, he painted the series called "Mining Mythology", which condenses the memories that marked his past, since in the galleries of his memory the physical features of the workers and the tunnels that he knew from the hand of his father.

In the mining center of Catavi, the artist had a childhood full of pleasant moments and unforgettable antics, which he shared with his best friend Cirilo, the son of a mining worker, with whom he dared adventures such as hanging from the wagons of the lifts that they transported. the pellets from the mineral concentration plant, through ropes stretched from one point to another, made the so-called “clearings”, where Enrique Arnal and his friend, far from the control of their parents, played, dirtying their clothes with dust and the “copajira” of the tailings.

Enrique Arnal also worked as a cultural manager of art. He created the “Arca” Gallery, which was active in the city of La Paz between 1968 and 1970. Later, he managed with Mario Mercado Vaca Guzmán the creation of the EMUSA Art Gallery in 1974, a space where works could be exhibited professionally and it allowed to carry out other artistic and cultural activities.

He served as a teacher in the Plastic Arts Degree at the Universidad Mayor de San Andrés, from 1978 to 1980, two years in which many students benefited from the experience and teaching capacity of the teacher Enrique Arnal. Furthermore, one of his important contributions was the research work “Brief biographical dictionary of contemporary Bolivian painters” (La Paz, 1986), which had the collaboration of Silvia Arze and was edited by INBO; a compendium in which information about the Bolivian painters of the 20th century was gathered.

Enrique Arnal, who also served as Director of the Latin American Institute of International Relations (ILARI) and fulfilled diplomatic functions as Cultural Attaché (Ad-honoren) of the Bolivian embassies in Mexico and France, was one of the most important artists of the plastic arts. national contemporary and a Cataveño who contributed a lot to national art, as well as other North Potosino artists, such as Miguel Alandia Pantoja (Llallagua, 1914 - Lima, Peru, 1975), Benedicto Aiza Álvarez (Uncía, 1952 - La Paz, 2009), Mario Vargas Cuellar (Catavi, 1942), Marcelo Mamani Coca (Catavi, 1959) and Zenón Sansuste Zapata (Catavi, 1962), among others.

Enrique Arnal Velasco lived clinging to treasured memories from childhood, until the day he died, after a long illness, in the city of Washington, DC, far from his homeland, on April 10, 2016. Of course, his death deprived us of a plastic artist of enormous potential, who knew how to translate his creative ingenuity into imperishable works for the cultural heritage of the Bolivian nation and the entire world. However, we are sure that, in his transit through the paths of death, Catavi will continue to be the cradle of his birth, the territory where he spent his childhood and the mining center that inspired his pictorial work that, in the midst of a whirlwind of paints, palettes, brushes, rollers and spatulas, he fused popular imagination and personal experiences with his noble feelings made of pure sensitivity and immeasurable creative force.

Evocación de Enrique Arnal | Evocation of Enrique Arnal

12/13/2021

Por Alejandra Echazú Conitzer, PhD, escritora boliviana.
15 de abril de 2018
(Texto original)

By Alejandra Echazú Conitzer, PhD, Bolivian writer.
April 15, 2018
(Translated text)

Enrique Arnal paseaba elegante por la ciudad y dejaba una estela, quizá sin quererlo, algo intimidante.

Cuando pude entablar amistad con el artista, quien era un conversador extraordinario, la figura que me había parecido distante se convirtió en presencia cálida, evocadora e inteligente y surgió la necesidad de registrar sus anécdotas y filosofía. Fueron dos largas tardes invernales de conversación, cuya fuerza permite ahora presentar un documental sobre el arte y las pasiones de Arnal, titulada El mundo de su memoria, dirigida por su hijo Matías, estrenada en La Paz el 12 de abril en la Cinemateca y que estará en cartelera hasta el 18. Una de las grandes motivaciones de las entrevistas era empequeñecer el registro de mi voz y permitir que la de este gran pintor resuene en toda su justicia y dimensión.

Enrique Arnal nació en el complejo minero de Catavi en 1932. Mis años de infancia fueron para mí una época de felicidad, si se puede denominar así mi vida infantil en las minas. Un paisaje gris, un paisaje de un aire ácido, un paisaje no de ciudad, si no de campamento minero autónomo y he recurrido a mis recuerdos de entonces como sustento para mi vida misma: una riqueza, una cierta percepción de lo misterioso de la vida, de la manera de convivir.

Arnal estudió en Oruro, La Paz y Buenos Aires y vivió en diversas ciudades europeas y norteamericanas. Durante las dictaduras militares estuvo exiliado en Paraguay, Argentina y Chile. Esta trashumancia vital hizo de él un cosmopolita y bebió de otras culturas.

Mi evocación de Arnal se nutre de vertientes simbólicas de su obra y me referiré tan solo a dos, al toro y al aparapita, con el fin de demostrar cómo su arte nace de profundas reflexiones. Para Arnal, el toro representa lo indomable e intuitivo como vehículo de creatividad y de plenitud. El toro es el símbolo de la espontaneidad y de lo irracional y del ímpetu que tenemos algunos pintores y artistas de traer como ejemplo el vigor y la acometida. Le atrae la robusta forma del animal y su estampa le parece excepcionalmente hermosa. Un día lleva consigo al pequeño Matías al lugar donde alquilaba un toro para estudiarlo y retratarlo. El niño pregunta por qué no dibuja el animal de manera más realista, por qué no dibuja “la realidad”. Su padre le explica que si el toro existe, es necesario dibujarlo para darle vida en otra dimensión, la del arte, la de la cultura y la del simbolismo y eso solo se logra a través del artificio del arte, del dibujo, de la pintura. El toro está ahí y ¿por qué hay que hacer otro toro? ¿Por qué dibujarlo? La razón es un poco irracional, los artistas también nos llevamos por llamados irracionales, por selección de temas que nos interesan de los cuales queremos y podemos hablar.

En la década de los setenta, Arnal dibuja Aparapitas, personajes humildes que cargan productos en sus espaldas. Los lienzos de esta serie son de grandes dimensiones, algunos de ellos con paspartús de tinta, las figuras están caminando, agachados, de frente, de espaldas y sin rostros demarcados.

Los tonos grises y violáceos reflejan lo que era, hasta hace algunos años, su vestimenta. Mucho se ha especulado sobre esta serie, romantizando al personaje cuando, para Arnal, resaltar el anonimato urbano era lo esencial. Son figuras que no tienen caras visibles, más bien siluetas.- son del montón, no son figuras individualizadas, representan el mundo cotidiano, de lo que uno ve en la calle, de la convivencia anónima. Arnal sintió además un vínculo muy particular entre el artista y el aparapita, al considerar que ambos eran seres marginales. Su atracción sobre mí era la del marginal, un hombre no incluido en la vida cotidiana de la ciudad. Esta marginalidad es parecida al del artista en este país y me hizo coincidir con un tema. En realidad la silueta es de un hombre aislado y marginalizado. En efecto, en Bolivia el aparapita se desplazaba por una periferia concreta (la zona de los mercados, fuera del centro burgués de la ciudad), mientras que la periferia del artista es simbólica y se manifiesta en el imaginario de la sociedad. El cargador posee incluso una utilidad económica, el artista no la tiene; luego de la Revolución del 52 no se crea una nueva burguesía dispuesta a otorgar ganancias al artista. A pesar de esa marginalización, ya que no son ni comprendidos ni valorados, ambos gozan de una utilidad social y son privilegiados observadores de la sociedad.

El corazón del arte de Arnal se encuentra en una búsqueda filosófica y constituye la síntesis de un análisis del contexto: Hay que tener espíritu de bucanero para ser artista, hay que descubrir mundos.

El artista no está establecido cómodamente en la cultura. Y existen actos de la cultura que se tonifican en la barbarie. En este sentido, el arte es una transformación que forma parte de la aventura, de la indagación, de la curiosidad por la realidad y que en el proceso de análisis intelectual y consciente, se plasma luego en el lienzo: hay una provocación, un encantamiento, yo no he tenido miedo al blanco, el miedo viene de cuándo parar de pintar. Primero, nace un concepto, luego se libera de esto porque el cuadro mismo lo guía y hay una acumulación de imágenes; el oficio solo ejecutado sería muy aburrido, el verdadero arte cuestiona, dialoga. El arte es un viaje del espíritu y uno mejora como artista cuando se despoja, cuando se renuncia al bagaje y hay un pacto, una forma de comportamiento ético, de no mentir. Y, al mirar su vida, el artista debe sacar elecciones.

El legado artístico de Enrique Arnal es inseparable de la honestidad de su pensamiento. Para Arnal el proceso de interpretación y de transformación simbólica en el arte forma parte de un compromiso vital que él asumía como ser humano y como artista.

Enrique Arnal walked elegantly through the city and left a trail, perhaps unintentionally, somewhat intimidating.

When I was able to befriend the artist, who was an extraordinary conversationalist, the figure that had seemed distant to me became a warm, evocative and intelligent presence and the need arose to record his anecdotes and philosophy. There were two long winter afternoons of conversation, the strength of which now allows us to present a documentary about Arnal's art and passions, entitled The world of his memory, directed by his son Matías, released in La Paz on April 12 at the Cinematheque and which It will be in theaters until 18. One of the great motivations of the interviews was to dwarf the registration of my voice and allow that of this great painter to resonate in all its justice and dimension.

Enrique Arnal was born in the Catavi mining complex in 1932. My childhood years were a happy time for me, if you can call my childhood life in the mines like that. A gray landscape, a landscape of acidic air, a landscape not of a city, but of an autonomous mining camp and I have used my memories of that time as sustenance for my life itself: a wealth, a certain perception of the mysteriousness of life , in the way of living together.

Arnal studied in Oruro, La Paz and Buenos Aires and lived in various European and North American cities. During the military dictatorships he was exiled in Paraguay, Argentina and Chile. This vital transhumance made him a cosmopolitan and drank from other cultures.

My evocation of Arnal is nourished by symbolic aspects of his work and I will refer to only two, the bull and the aparapita, in order to demonstrate how his art is born from deep reflections. For Arnal, the bull represents the indomitable and intuitive as a vehicle for creativity and fulfillment. The bull is the symbol of spontaneity and of the irrational and of the impetus that some painters and artists have to bring vigor and rush as an example. The robust shape of the animal appeals to you and its print is exceptionally beautiful. One day he takes little Matías with him to the place where he rented a bull to study and portray it. The child asks why he does not draw the animal in a more realistic way, why he does not draw "reality." His father explains to him that if the bull exists, it is necessary to draw it to give it life in another dimension, that of art, that of culture and that of symbolism, and that is only achieved through the artifice of art, drawing, and painting. . The bull is there and why should another bull be made? Why draw it? The reason is a bit irrational, the artists also get along with irrational calls, by selecting topics that interest us that we want and can talk about.

In the seventies, Arnal draws Aparapitas, humble characters who carry products on their backs. The canvases in this series are large, some of them with ink mats, the figures are walking, crouched, from the front, from the back and without demarcated faces.

The gray and violet tones reflect what was, until a few years ago, his clothing. Much has been speculated about this series, romanticizing the character when, for Arnal, highlighting urban anonymity was essential. They are figures that do not have visible faces, rather silhouettes. - They are from the pile, they are not individualized figures, they represent the everyday world, of what one sees on the street, of anonymous coexistence. Arnal also felt a very particular bond between the artist and the aparapita, considering that both were marginal beings. His attraction to me was that of the marginal, a man not included in the daily life of the city. This marginality is similar to that of the artist in this country and made me coincide with a theme. In reality the silhouette is of an isolated and marginalized man. In effect, in Bolivia the aparapita moved around a specific periphery (the market area, outside the bourgeois center of the city), while the artist's periphery is symbolic and manifests itself in the imagination of society. The charger even has an economic utility, the artist does not; after the Revolution of 1952, a new bourgeoisie was not created, ready to grant profits to the artist. Despite this marginalization, since they are neither understood nor valued, both enjoy social utility and are privileged observers of society.

The heart of Arnal's art is found in a philosophical search and constitutes the synthesis of an analysis of the context: You have to have the spirit of a buccaneer to be an artist, you have to discover worlds.

The artist is not comfortably established in culture. And there are acts of culture that are toned up in barbarism. In this sense, art is a transformation that is part of the adventure, of the investigation, of the curiosity for reality and that in the process of intellectual and conscious analysis, is then reflected on the canvas: there is a provocation, an enchantment I have not been afraid of white, fear comes from when to stop painting. First, a concept is born, then it is freed from this because the painting itself guides it and there is an accumulation of images; the job performed alone would be very boring, true art questions, dialogues. Art is a journey of the spirit and you improve yourself as an artist when you divest yourself, when you give up baggage and there is a pact, a form of ethical behavior, not to lie. And, when looking at his life, the artist must make choices.

Enrique Arnal's artistic legacy is inseparable from the honesty of his thinking. For Arnal, the process of interpretation and symbolic transformation in art is part of a vital commitment that he assumed as a human being and as an artist.

Quico a la arrabbiata

11/8/2021

Por Juan Carlos Salazar del Barrio es periodista y narrador. Ha recorrido varios países de América Latina y Europa como corresponsal y ha publicado varios libros de crónicas y semblanzas. Es autor de “Semejanzas” (Plural, 2018) y coautor de “La guerrilla que contamos” (Plural, 2017) y “Che: Una cabalgata sin fin” (Página Siete, 2017), entre otros. Ha recibido el Premio Nacional de Periodismo en 2016.
(Texto original)

By Juan Carlos Salazar del Barrio he is a journalist and narrator. He has toured several countries in Latin America and Europe as a correspondent and has published several books of chronicles and portraits. He is the author of “Semejanzas” (Plural, 2018) and co-author of “La guerrilla que contamos” (Plural, 2017) and “Che: Una cabalgata sin fin” (Página Siete, 2017), among others. He has received the National Journalism Award in 2016.
(Translated text)

Quico era así. Todo bonhomía. Parsimonioso, arrastraba su buen talante como su propia sombra, con sonrisas cargadas de ternura y nostalgias acumuladas quién sabe desde cuándo. “No puedo pintar cuando estoy fuera de Bolivia”, me confesó en México, donde había buscado refugio tras el asesinato de su amigo de siempre, Marcelo Quiroga Santa Cruz. “Es como si mi paleta estuviera vacía”, agregó. Salía de Bolivia para poder descubrir los regresos.

Vivía en un departamento de Juan Rulfo, otro ser entrañable, con quien solía platicar en la librería El Juglar o el café El Ágora de la colonia Guadalupe Inn, al sur de la capital mexicana, cada vez que el escritor lo citaba para cobrarle el alquiler. ¿De qué hablaban? Quién sabe. Pero se entendían. Tímidos y parcos en el trato, ambos, tenían sensibilidades y melancolías compartidas. Quería traerlo a Bolivia para que fotografiara los cielos y confines del altiplano como había retratado las nubes y magueyes de los ejidos mexicanos.

Le gustaba cocinar (por cierto, también pintar). Durante la noche electoral de junio de 1980, en vísperas de la asonada, improvisó una “arrabbiata a la boliviana” en el departamento de Marcelo, con locotos colorados, ají verde y quirquiña. “Parece uno de tus lienzos”, le dijo el anfitrión. Quico era un adelantado en la comida fusión, cuando barajar aromas y sabores no era moda. En México preparó un estofado de pulpo con mole y ajonjolí. “La comida, como la pintura, entra por los ojos”, explicó. Pensé que era una obviedad. Hasta que presentó su invento en una preciosa cerámica de Talavera.

Quico was like that. All bonhomie. Parsimonious, he dragged his good temper like his own shadow, with smiles full of tenderness and accumulated nostalgia who knows since when. "I cannot paint when I am outside of Bolivia," he confessed to me in Mexico, where he had sought refuge after the murder of his longtime friend, Marcelo Quiroga Santa Cruz. "It is as if my palette is empty," he added. He left Bolivia to discover the returns.

He lived in an apartment of Juan Rulfo, another endearing being, with whom he used to talk at the El Juglar bookstore or the El Ágora cafe in the Guadalupe Inn neighborhood, south of the Mexican capital, every time the writer called him to collect the rent . What were they talking about? Who knows. But they understood each other. Shy and sparing in their dealings, both had shared sensibilities and melancholies. I wanted to bring him to Bolivia to photograph the skies and ends of the highlands as he had portrayed the clouds and magueyes of the Mexican ejidos.

He liked to cook (by the way, also to paint). During the electoral night of June 1980, on the eve of the assassination, he improvised a “Bolivian-style arrabbiata” in the department of Marcelo, with red lunches, green chili and quirquiña. "It looks like one of your canvases," said the host. Quico was an advance in fusion food, when shuffling aromas and flavors was not fashionable. In Mexico he prepared an octopus stew with mole and sesame. "Food, like paint, enters through the eyes," he explained. I thought it was a no-brainer. Until he presented his invention in a beautiful ceramic from Talavera.

Párrafo introductorio al dossier dedicado al maestro Enrique Arnal | Introductory paragraph to the dossier dedicated to Enrique Arnal

10/11/2021

Por Benjamín Chávez, escritor y poeta boliviano.
Texto publicado en la revista Piedra de agua Nº 16 de la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia.
(Texto original)

By Benjamín Chávez, Bolivian writer and poet.
Text published in the Piedra de agua magazine No. 16 of the Cultural Foundation of the Central Bank of Bolivia.
(Translated text)

La pintura boliviana es, qué duda cabe, un arte vigoroso que ha sabido mantenerse firme a lo largo de toda la historia de nuestro país, nutriéndose de una rica tradición que hunde sus raíces en períodos históricos anteriores.

Ya en la época moderna, al promediar el siglo XX, como consecuencia de ese cisma social que significó la Revolución de 1952, y con referentes tan cercanos e importantes como Arturo Borda y Cecilio Guzmán de Rojas, surge la llamada Generación del 52, en cuyo seno, los historiadores han identificado dos líneas definidas. La primera llamada de los pintores sociales, cuyos referentes son Miguel Alandia Pantoja y Walter Solón Romero y, la segunda -en palabras de Teresa Gisbert- compuesta por “pintores que postulan una pintura boliviana con las técnicas y formas estéticas universales, desechando el muralismo mexicano al que se considera anacrónico. Estuvo en este grupo María Luisa Pacheco (…), Gil Imaná y Lorgio Vaca (…). También integran el grupo Enrique Arnal, María Esther Ballivián y Alfredo La Placa”.

Precisamente, en su Historia del arte en Bolivia, Teresa Gisbert y José de Mesa sostienen: “Enrique Arnal, potosino proteico que arranca de las formas de Rufino Tamayo para iniciar un estilo cambiante y vigoroso que se plasma en ‘Tambo’. Su arte llega a la máxima expresión en sus ‘Aparapitas’ (indígenas desposeídos, destinados al trabajo de cargadores). Son figuras sin rostro que cruzan hipotéticos umbrales los cuales nos llevan de la luz a la sombra, alegoría del perdido contexto rural para penetrar en la penumbra despiadada de los centros urbanos”.

El presente dossier es un modesto pero merecido homenaje a este pintor excepcional, uno de los artistas más destacados de la plástica nacional, cuya obra, nos ayuda a comprender nuestra historia e identidad a través de una propuesta de alto vuelo estético.

Bolivian painting is, without a doubt, a vigorous art that has known how to maintain itself throughout the history of our country, nourishing itself from a rich tradition that has its roots in previous historical periods.

Already in modern times, at the middle of the 20th century, as a consequence of that social schism that meant the Revolution of 1952, and with such close and important references as Arturo Borda and Cecilio Guzmán de Rojas, the so-called Generation of 1952 arose, in which Within, historians have identified two definite lines. The first call of the social painters, whose references are Miguel Alandia Pantoja and Walter Solón Romero and, the second - in the words of Teresa Gisbert - composed of “painters who postulate a Bolivian painting with universal aesthetic techniques and forms, rejecting Mexican muralism which is considered anachronistic. María Luisa Pacheco (...), Gil Imaná and Lorgio Vaca (...) were in this group. The group also includes Enrique Arnal, María Esther Ballivián and Alfredo La Placa ”.

Precisely, in their History of art in Bolivia, Teresa Gisbert and José de Mesa maintain: "Enrique Arnal, a protein potosino who starts from the forms of Rufino Tamayo to start a changing and vigorous style that is reflected in 'Tambo'. His art reaches its maximum expression in his ‘Aparapitas’ (dispossessed indigenous people, destined for the work of porters). They are faceless figures who cross hypothetical thresholds which take us from light to shadow, an allegory of the lost rural context to penetrate the merciless gloom of urban centers ”.

This dossier is a modest but well-deserved tribute to this exceptional painter, one of the most outstanding artists in national art, whose work helps us understand our history and identity through a highly aesthetic proposal.

Quién fue Enrique Arnal? | Who Was Enrique Arnal?

9/27/2021

Por Elías Blanco Mamani, prolífico biógrafo, periodista e investigador boliviano. Como investigador ha publicado diferentes obras acerca de la vida y obra de autores y personajes de la cultura boliviana. Es también fundador de un centro cultural, un museo y una editorial llamados El Aparapita.

Texto publicado en la revista Piedra de agua Nº 16 de la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia.
(Texto original)

By Elías Blanco Mamani, prolific Bolivian biographer, journalist and researcher. As a researcher he has published different works about the life and work of authors and characters of Bolivian culture. He is also the founder of a cultural center, a museum and a publishing house called El Aparapita.

Text published in the Piedra de agua magazine No. 16 of the Cultural Foundation of the Central Bank of Bolivia.
(Translated text)

Enrique Arnal Velasco, nació en Catavi, Potosí, Bolivia, en 1932 y falleció en Washington, EEUU, en abril de 2016. Estudió en la Ciudad Internacional de Las Artes de París, Francia (1966-1967). Su primera exposición individual data de 1954, en Cuzco, Perú. Expuso en galerías de Buenos Aires, Washington, Caracas, Bonn, Montevideo y otras capitales. Dirigió la Galería ‘Arca’ (1968-1970) de la ciudad de La Paz. Docente de la UMSA (1978-1980). En 1983 fue designado como Agregado Cultural -Ad Honoren- de la Embajada de Bolivia en México, luego ocupó el mismo cargo en nuestra Embajada en París, Francia (1986-1988). Previo a estos nombramientos se desempeñó como Director del Instituto Latinoamericano de Relaciones Internacionales (ILARI). Dirigió la edición de la investigación: Breve diccionario biográfico de pintores bolivianos contemporáneos 1900-1985 (LP, 1986).

El también artista Luís Luksic en 1956 comentó sobre el autor: “Con unas manos enormes de picapedrero, con traje de jerga gris y anteojos de arquitecto, Enrique Arnal es un hombre que tiene un estilo de vivir: grandes zancadas y una sonrisa llena de expresión”. Rigoberto Villarroel por su lado escribió en 1962: “Arnal es un artista de porvenir por la firmeza de su dibujo y su inspiración de gran aliento pictórico”.

Otra valoración pertenece a Harold Suárez Llápiz, quien anota (2010): “Hablar de Enrique Arnal, para mí no sólo implica afirmar que es uno de los artistas más destacados del siglo XX, sino que también amerita evocar al más brillante representante de la neofiguración-expresionista en la historia de la pintura boliviana”.

Es célebre su serie de pinturas dedicadas al aparapita (el cargador aymara) de la ciudad de La Paz. En diálogo con la periodista Mabel Franco, el artista se definió: “pintor con ciertas manías, extravagancias, más solitario que gregario, lector, fascinado con el mundo vivo, la realidad, pintor de lo que ve y no ve”. Alguien “que se acerca al lienzo con una idea que desaparece muy pronto para dar lugar a una inesperada. Así tiene que ser, si uno va hacer lo que quiere, resulta muy aburrido. Es mejor ir descubriendo; la sorpresa es parte de la revelación de la tela”.

Premios obtenidos: Gran Premio en pintura del Salón Murillo con la obra ‘Zampoñas y charangos’ (LP, 1955); Segundo Premio en pintura del Salón Murillo con la obra ‘Paisaje con luna’ (LP, 1957); Primer Premio en pintura del Salón Murillo con la obra ‘Mujer’ (LP, 1958); Primer Premio en dibujo del Salón Murillo con la obra ‘Gallo’ (LP, 1961); Primer Premio de la UTO (Oruro, 1965); Premio ‘A la obra de vida’ del Salón Murillo (LP, 2007).

Arnal dirigió la Colección de investigación sobre pintura boliviana contemporánea de ediciones INBO que publicó el Breve diccionario biográfico de pintores bolivianos contemporáneos 1900 – 1985, en julio de 1986.

Enrique Arnal Velasco, was born in Catavi, Potosí, Bolivia, in 1932 and died in Washington, USA, in April 2016. He studied at the International City of Arts in Paris, France (1966-1967). His first solo exhibition dates from 1954, in Cuzco, Peru. He exhibited in galleries in Buenos Aires, Washington, Caracas, Bonn, Montevideo and other capitals. He directed the ‘Arca’ Gallery (1968-1970) in the city of La Paz. UMSA teacher (1978-1980). In 1983 he was appointed as Cultural Attaché -Ad Honoren- of the Bolivian Embassy in Mexico, then he held the same position at our Embassy in Paris, France (1986-1988). Prior to these appointments, he served as Director of the Latin American Institute of International Relations (ILARI). He directed the research edition: Brief Biographical Dictionary of Contemporary Bolivian Painters 1900-1985 (LP, 1986).

The artist Luís Luksic, also in 1956, commented on the author: “With enormous stonecutter hands, wearing a gray slang suit and architect glasses, Enrique Arnal is a man who has a style of living: long strides and a smile full of expression "Rigoberto Villarroel for his part wrote in 1962: "Arnal is an artist of the future due to the firmness of his drawing and his inspiration of great pictorial encouragement."

Another assessment belongs to Harold Suárez Llápiz, who notes (2010): “Talking about Enrique Arnal, for me not only implies affirming that he is one of the most outstanding artists of the 20th century, but also merits evoking the most brilliant representative of the neo-figuration -expressionist in the history of Bolivian painting."

His series of paintings dedicated to the aparapita (the Aymara charger) of the city of La Paz is famous. In dialogue with the journalist Mabel Franco, the artist defined himself: “painter with certain hobbies, extravagances, more solitary than gregarious, reader, fascinated with the living world, reality, painter of what he sees and does not see”. Someone “who approaches the canvas with an idea that disappears very soon to give rise to an unexpected one. It has to be that way, if you are going to do what you want, it is very boring. It is better to discover; the surprise is part of the revelation of the fabric."

Prizes obtained: Grand Prize in painting of the Salón Murillo with the work 'Zampoñas y charangos' (LP, 1955); Second Prize in painting of the Murillo Hall with the work ‘Landscape with moon’ (LP, 1957); First Prize in painting of the Murillo Hall with the work ‘Woman’ (LP, 1958); First Prize in drawing of the Murillo Hall with the work ‘Gallo’ (LP, 1961); First Prize of the UTO (Oruro, 1965); ‘Award for the work of life’ of the Murillo Hall (LP, 2007).

Arnal directed the Research Collection on Contemporary Bolivian Painting of INBO editions that published the Brief Biographical Dictionary of Contemporary Bolivian Painters 1900 - 1985, in July 1986.

Enrique Arnal o el arte sin concesiones | Enrique Arnal or art without compromise

9/6/2021

Por Ximena Arnal Franck, escritora boliviana.
Texto publicado en la revista Piedra de agua Nº 16 de la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia.
(Texto original)

By Ximena Arnal Franck, Bolivian writer.
Text published in the Piedra de agua magazine No. 16 of the Cultural Foundation of the Central Bank of Bolivia.
(Translated text)

A inicios de la década de los cincuenta, en la ciudad de Santiago de Chile, Enrique Arnal compartió por un tiempo, el departamento de un amigo también boliviano, algo mayor que él y pintor afirmado, Fernando Montes. La atracción de la pintura comenzó a inquietarlo desde entonces. Una noche, en esa ciudad, el joven y atribulado estudiante de arquitectura, tuvo un sueño revelador que cambiaría su vida y la historia de la pintura de su país, Bolivia.

Cuenta que se encontró en sus sueños con “la bestia”. Una criatura monstruosa indomable y salvaje. Más que de un sueño, se trató de un encuentro con un enorme toro rojo, una aparición que tuvo para él el poder de una revelación. El mito del Minotauro, que representó para él, en este caso, el hecho pictórico. Sus dudas se disiparon y supo en esa ocasión que abandonaría la universidad y los estudios de arquitectura. Su destino estaba trazado, se dedicó desde entonces, de forma autodidacta, a la pintura durante toda su vida.

Poco tiempo después, hizo un viaje al Cusco, donde pudo pasar varios días en la ciudadela de Machu Picchu, gozando en esa época, de la soledad de las ruinas. Fue un viaje espiritual que le permitió indagar más en el interior de sí mismo, enfrentarse a la naturaleza salvaje del lugar y poder empaparse de uno de los lugares más importantes en la historia de los Andes. Estos dos acontecimientos, marcan su personalidad, su ser, en tanto que hombre de dos culturas, por una lado occidental y por el otro andino.

Arnal nació en Catavi, en las minas, en el seno de una familia privilegiada, pero estuvo en contacto, desde la infancia, con el mundo indígena, con sus creencias, con sus fuertes tradiciones y con los ritos tan profundamente arraigados del mundo de la mina. A pesar de que en esa época, los dos mundos en contacto permanente, estaban bastante alejados en la realidad, él comenzó a observar y a tratar de comprender esa realidad tan particular del mundo andino. Ese mundo indígena tan cercano y lejano a la vez, ese paisaje árido y duro, se plasmará en su pintura de diversas maneras durante su vida de artista.

Pero esa realidad, esos dos mundos que se cruzaban sin verse, no sólo fue fuente de indagación en su arte, también estuvo comprometido con la historia política boliviana y su sensibilidad y su gran amistad con Marcelo Quiroga lo acercaron a una toma de posición política con la voluntad de lograr un cambio en esa sociedad injusta. Esto le valió ser encarcelado y deportado durante la dictadura de Banzer. Después de esa experiencia, y años más tarde, luego del asesinato de Marcelo, que lo conmocionó profundamente, no volvió a participar de manera activa en los temas políticos. Su compromiso con la libertad, con la exigencia, se mantuvieron intactos pero concentrados en su obra y en su pensamiento.

Arnal tenía un físico imponente, fue una persona de carácter marcado y fuerte. Una personalidad compleja, inaprensible y muchas veces, paradójica y contradictoria. Gran conversador, gran lector, de una amplia cultura, interesado en diversos temas, podía mantener largas conversaciones con amigos y familiares y disfrutaba del intercambio de ideas, pero también podía caer en un mutismo cerrado durante mucho tiempo. Jesús Urzagasti contó que cuando lo fue a visitar al Chaco se pasó 10 días sin hablar, las personas del lugar lo creyeron mudo. Volvió a La Paz cargando un loro bautizado por él Eudé, este pájaro no paraba de emitir sonidos y graznidos, una especie de lenguaje propio, como si se hubiera apoderado de las palabras que él no había pronunciado durante toda su estadía.

Uno de sus primeros atelier de artista estuvo situado en la que fue la plaza de toros en La Paz, el Olimpic, que desgraciadamente ya no existe. Era una plaza particular porque tenía una parte de habitación detrás del ruedo. Ahí en un cuarto alquilado para poder pintar, pudo abrir una ventana que daba al ruedo, desde ahí observaba las corridas y estudiaba a los toros de lidia, el animal más lejano de la domesticación y que se enfrenta al hombre en un ritualdon de la muerte está presente. El tema del toro fue una constante en su obra.

Su vida estuvo llena de experiencias y vivencias diversas, su voluntad de adentrarse en el mundo que lo rodeaba y vivirlo plena e intensamente, fue una característica de su vida. Poseía un agudo sentido del humor, pero también tenía momentos sombríos de marcado mal talante.

Era un hombre ligado a su familia y a su pasado. Sus antepasados eran parte de su historia, sin embargo, no era una persona nostálgica, se sentía un heredero en el verdadero sentido de la palabra, la continuidad de un linaje de aventureros que llegaron a esas tierras americanas desde muchos lugares de Europa y se mezclaron con lo local. Tal vez por eso también fue un gran coleccionista. Amante de los objetos antiguos tanto del arte colonial español, como de piezas precolombinas que unían a la vez lo que era él, un ser de ambos mundos. Estos objetos nunca fueron adquiridos con un afán especulativo de valor monetario, su valor era estético e histórico, eran simplemente la muestra de la rica historia de Bolivia, que al mismo tiempo era la suya.

Su vida sentimental también fue compleja. La mujer estuvo siempre presente en su vida personal y artística. Dedicó una serie de dibujos y óleos al cuerpo femenino. Se casó tres veces y tuvo cinco hijos.

Fue un gran caminante, recorrió, incansable, la ciudad de La Paz y sus alrededores reflexionando sobre la realidad que lo rodeaba plasmándola en su obra. Su mirada atenta al mundo en el que vivía se reconoce en la exigencia de su arte que nunca cedió a la tentación de la simple descripción o al remedo de un paisaje ya de por sí extraordinario.

Arnal fue un pintor permanente. Su pintura tuvo varias etapas pasando del figurativo al abstracto y nunca se detuvo a repetir ninguna de sus propuestas, su búsqueda fue incesante y rigurosa. Probó varias técnicas como el grabado, serigrafía, dibujo, pero fue en la pintura donde él encontró el mejor medio para expresarse. Era un pintor intelectual, un pintor de pensamiento, de reflexión y de constante innovación. La pintura no le venía de manera natural y fácil, era un trabajo de concentración y de indagación, sin embargo sus trazos inconfundibles, tienen la capacidad de transmitir una gran libertad y de una gran seguridad, como si se le hubieran dado de manera casual. Su pintura nunca fue representativa, fue una pintura decidida a atrapar el misterio, la esencia que se encerraba en la realidad que lo rodeaba, se tratara de personajes como el aparapita, lo toros en su animalidad pura, los gallos de pelea y el paisaje pétreo del altiplano con sus imponentes nevados.

Consciente del papel secundario del artista en la sociedad boliviana, y de un mercado del arte casi inexistente, Arnal no buscó de manera constante el mercado y continuó pintando siempre con múltiples y nuevas propuestas, tomando el riesgo de la creación artística sin concesiones. El mercado del arte nunca fue un determinante en su búsqueda artística.

El toro, la bestia salvaje e indomable que representó para él el acto creador en ese sueño premonitorio, el arte como un reto permanente de la creación verdadera, lo acompañó hasta el final.

Sin embargo, pese a las dificultades, fue reconocido en su trayectoria por varios premios y su obra está expuesta en Bolivia y en el exterior. También gozó de un amplio reconocimiento del público en general y su nombre es una referencia en el arte boliviano y es considerado como uno de los pintores más importantes de la historia de la pintura boliviana y latinoamericana.

Fue un hombre de su época y de su espacio, los marcó con su arte y sus reflexiones. Habríamos querido que permaneciera más tiempo con nosotros, Enrique Arnal ya no está, pero el legado que dejó a su entorno y a la historia del arte de su país está presente en su magnífica obra.

Su espíritu estará por siempre presente en la ciudad de La Paz, en las montañas y en el inmenso paisaje andino que tanto amó.

At the beginning of the fifties, in the city of Santiago de Chile, Enrique Arnal shared, for a time, the apartment of a friend who was also Bolivian, somewhat older than himself and an established painter, Fernando Montes. The attraction of the painting began to worry him since then. One night in that city, the young and troubled architecture student had a revealing dream that would change his life and the history of painting in his country, Bolivia.

He says that he met in his dreams with "the beast". A wild and indomitable monstrous creature. More than a dream, it was an encounter with a huge red bull, an appearance that had for him the power of a revelation. The myth of the Minotaur, which represented for him, in this case, the pictorial fact. His doubts were dispelled and he knew on that occasion that he would abandon university and architecture studies. His destiny was outlined, he dedicated himself since then, self-taught, to painting throughout his life.

A short time later, he made a trip to Cusco, where he could spend several days in the citadel of Machu Picchu, enjoying at that time, the solitude of the ruins. It was a spiritual journey that allowed him to delve deeper into himself, face the wild nature of the place and be able to soak up one of the most important places in the history of the Andes. These two events mark his personality, his being, as a man of two cultures, on the one hand western and on the other Andean.

Arnal was born in Catavi, in the mines, within a privileged family, but he was in contact, from childhood, with the indigenous world, with its beliefs, with its strong traditions and with the deep-seated rites of the world of mine. Despite the fact that, at that time, the two worlds in permanent contact were quite far from reality, he began to observe and try to understand that reality so unique to the Andean world. That indigenous world, so close and far away at the same time, that arid and hard landscape, will be reflected in his painting in various ways during his life as an artist.

But that reality, those two worlds that crossed without seeing each other, was not only a source of inquiry in his art, he was also committed to Bolivian political history and his sensitivity and great friendship with Marcelo Quiroga brought him closer to taking a political position with the will to achieve a change in that unjust society. This earned him being jailed and deported during the Banzer dictatorship. After that experience, and years later, after the murder of Marcelo, who deeply shocked him, he did not actively participate in political affairs again. His commitment to freedom, to demand, remained intact but focused on his work and thought.

Arnal had an imposing physique, he was a person of strong and marked character. A complex personality, ungraspable and many times, paradoxical and contradictory. A great conversationalist, a great reader, from a wide culture, interested in various subjects, he could have long conversations with friends and family and he enjoyed the exchange of ideas, but he could also fall into closed silence for a long time. Jesús Urzagasti said that when he went to visit the Chaco he went 10 days without speaking, the people of the place believed him mute. He returned to La Paz carrying a parrot baptized by him Eudé, this bird did not stop emitting sounds and squawks, a kind of own language, as if it had seized the words that he had not spoken during his entire stay.

One of his first artist studios was located in what was the bullring in La Paz, the Olimpic, which unfortunately no longer exists. It was a particular square because it had a part of the room behind the ring. There in a rented room to be able to paint, he was able to open a window that overlooked the ring, from there he observed the bullfights and studied the fighting bulls, the farthest animal from domestication and that faces man in a ritual of death is present. The theme of the bull was a constant in his work.

His life was full of diverse experiences and experiences, his will to enter the world around him and live it fully and intensely, was a characteristic of his life. He had a keen sense of humor, but he also had grim moments of marked bad temper.

He was a man linked to his family and his past. His ancestors were part of his history, however, he was not a nostalgic person, he felt like an heir in the true sense of the word, the continuity of a lineage of adventurers who came to these American lands from many places in Europe and mixed with the local. Maybe that's why he was also a great collector. Lover of ancient objects both of Spanish colonial art, as well as pre-Columbian pieces that united what he was, a being from both worlds. These objects were never acquired with a speculative desire for monetary value, their value was aesthetic and historical, they were simply a sample of the rich history of Bolivia, which at the same time was theirs.

His love life was also complex. The woman was always present in her personal and artistic life. She dedicated a series of drawings and oils to the female body. She was married three times and had five children.

He was a great walker, tirelessly toured the city of La Paz and its surroundings reflecting on the reality that surrounded him, expressing it in his work. Her attentive look at the world in which she lived is recognized in the demand of her art, which never gave in to the temptation of simple description or to the imitation of an already extraordinary landscape.

Arnal was a permanent painter. His painting went through several stages going from figurative to abstract and he never stopped to repeat any of his proposals, his search was incessant and rigorous. He tried various techniques such as engraving, screen printing, drawing, but it was in painting that he found the best means to express himself. He was an intellectual painter, a painter of thought, of reflection and of constant innovation. The painting did not come naturally and easily, it was a work of concentration and investigation, however its unmistakable strokes, have the ability to convey great freedom and great security, as if they had been given to him by chance. His painting was never representative, it was a painting determined to catch the mystery, the essence that was locked in the reality that surrounded him, it was about characters like the aparapita, the bulls in their pure animality, the fighting cocks and the stony landscape of the plateau with its imposing snow-capped mountains.

Aware of the artist's secondary role in Bolivian society, and of an almost non-existent art market, Arnal did not constantly seek the market and continued to paint with multiple and new proposals, taking the risk of artistic creation without compromise. The art market was never a determining factor in his artistic pursuit.

The bull, the wild and indomitable beast that represented for him the creative act in that premonitory dream, art as a permanent challenge of true creation, accompanied him to the end.

However, despite the difficulties, he was recognized in his career for several awards and his work is exhibited in Bolivia and abroad. He also enjoyed wide recognition from the general public and his name is a reference in Bolivian art and is considered one of the most important painters in the history of Bolivian and Latin American painting.

He was a man of his time and of his space, he marked them with his art and his reflections. We would have liked him to stay with us longer, Enrique Arnal is no longer here, but the legacy he left to his environment and to the history of art in his country is present in his magnificent work.

His spirit will be forever present in the city of La Paz, in the mountains and in the immense Andean landscape that he loved so much.

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